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 Jazz à Vienne 2006
Changement de dernière minute...
Marcus Miller : « Mister groove » Miller (né à Brooklyn en 1959) découvre le be-bop en écoutant les disques où son cousin (le pianiste Wynton Kelly) accompagne Miles Davis. Il découvre les séances des studios new-yorkais en travaillant avec Aretha Franklin, Roberta Flack, Elton John, Luther Vandross... En 1979, Marcus rencontre le saxophoniste David Sanborn. plus tard, c’est Miles Davis lui-même qui l’invite. Marcus Miller compose et produit l’album « Tutu » de Miles, dernier grand succès du trompettiste en 1986. Dix ans plus tard, son propre opus « Tales » montre un Marcus miller plus funky et plus efficace encore, réinventant le paysage global de la Black Music. « M2 » (paru en 2001) récolte un Grammy Awards. Miller et son porkpie hat légendaire parcourent alors le monde, citant Prince, Hendrix ou Stevie Wonder comme Mingus ou Miles, claquant ses cordes et démontant les genoux de tous les funkateers de la planète. www.MarcusMiller.com 1. Présentation de "Jazz à Vienne" 2006 au Méridien à Paris le 10 mai 2006 Après une introduction musicale par le saxophoniste Max Pinto, Jean-Paul Boutellier présente l’édition 2006 de Jazz à Vienne, festival soutenu par des nombreux sponsors. Le système Rezzo, qui a désigné Max Pinto comme lauréat en 2005, continuera à proposer des actions culturelles telle que la formation musicale de 6000 enfants au Théâtre Antique avec Didier Lockwood. La Verrière, une nouvelle scène de Jazz à Vienne, abritera les concerts des deuxièmes parties de soirée, à 23h30. Verrière et Club de Minuit proposeront des musique plus expérimentales, pour accueillir la nouvelle génération du public jazz.
Jean-Paul Boutellier, assisté de Vincent Rival, ont présenté l’édition 2006 avec images et extraits musicaux à l’appui : 2. Le programme dans les grandes lignes
Jeudi 29 juin - Théâtre antique - 10h Line up : Didier Lockwood (vln), David Enhco (tp), Thomas Enhco (p, vln), Zacharie Abraham (b), Nicolas Charlier (dms). Collaboration Vienne Action Culturelle, Communauté d’Agglomération du Pays Viennois, Club Jazz Entreprises et service scolaire de la Ville de Vienne. Pour la troisième année consécutive, les enfants ouvrent le festival. Tous les enfants des écoles primaires de Vienne et de la Communauté d’Agglomération du Pays Viennois sont invités à venir découvrir gratuitement une création jeune public au Théâtre Antique. Cette année, Didier Lockwood accueillera les enfants pour un voyage autour du monde à travers la musique et son instrument, le violon. Accompagné de quatre jeunes musiciens du groupe Enhco & Co, Didier Lockwood conduira les enfants en Inde, dans les pays de l’Est et d’Afrique du Nord en passant par l’Irlande, l’Orient ou encore le Far West. C’est avec son violon comme seul passeport que Didier Lockwood nous fera traverser les frontières. Didier Lockwood s’est depuis longtemps passionné pour l’enseignement. Il s’investit dans différentes actions pour promouvoir la pratique artistique auprès des jeunes générations. Afin de transmettre sa passion, il ouvre le Centre des Musiques Didier Lockwood et initie ces jeunes aussi bien aux musiques classiques qu’aux musiques improvisées ou traditionnelles. Parallèlement à ce projet, le violoniste a exposé, dans un ouvrage pédagogique Cordes et âmes (Salabert), son approche technique et philosophique du violon. Didier Lockwood a fêté récemment ses trente ans de carrière, avec la sortie de l’album Globe-trotter qui retrace ses voyages et ses rencontres ; le spectacle « le Jazz et la Diva » avec Caroline Casadeus et Dimitri Naiditch et le projet « Waltz Club » qui rassemble les instruments du jazz à la française et rend hommage à la valse. Avec une trentaine d’albums à son actif, Didier Lockwood a joué avec les plus grands. Il est aujourd’hui l’un des violonistes les plus reconnus. Renseignements : Vincent Rival - 04 74 78 87 87 3. PROGRAMMATION DETAILLEE
Sonny Rollins (ts), Clifton Anderson (tb), Bobby Broom (g), Bob Cranshaw (b), Kimati Dinizulu (perc), Victor Lewis (dms). 22 juillet 2005, Antibes-Juan-les-Pins. Le maestro du saxo arrive alors de New York et va sur ses 75 ans. Il donne ce soir-là son unique concert de l’année en Europe. Sonny Rollins paraît encore assombri par le traumatisme du 11 septembre 2001. “Ce jour-là, j’étais dans mon appartement, au 40e étage, à six blocs du World Trade Center. J’ai entendu un jet hurlant passant très bas... Puis Whâoum !”. Depuis, Rollins ne vit plus à Manhattan, mais dans une petite ville au nord de New York, Germantown. “Je ne sors pas, je ne joue pas au golf, je ne vais pas aux concerts. Je pratique mon yoga en reclus... J’ai envie d’être seul. Je ne vois plus d’intérêt à faire ce que font les autres ”. Encore moins depuis qu’il a perdu (en novembre 2004) Lucille, son épouse, sa muse et conseillère de plus de trente ans. Désormais, le seul compagnon de l’artiste blanchi sous le harnais est cet instrument aux ors mats, ce sax usé d’avoir tant bourlingué, d’avoir connu tant d’éruptions sous les doigts du Colosse. Mais le vieux rebelle qui composa “The Freedom Suite” en 58, brûlant manifeste pour les droits civiques, n’a rien perdu de son esprit contestataire. Même s’il a mis une dose de spiritualité orientale dans son jazz, Sonny Rollins fulmine toujours ! Rollins a fait couler des tonnes de lave et déverser des cascades d’eau fraîche ; il a aussi réchauffé son souffle tellurique au soleil de St Thomas et au calypso. Depuis les incontournables “Saxophone Colossus” (1956) ou “The Bridge” (qui marque son premier retour, en 1962), son aura n’a jamais cessé de briller, notamment en scène. Le Colosse revient donc au Théâtre antique, pour la quatrième fois seulement en 26 éditions (son dernier passage date de 99). “ En scène, je suis saisi par une énergie qui vient d’ailleurs, je ne pense plus à rien, ça va trop vite”. Club de Minuit - 23h30 Cette initiative soutenue par la maison Vandoren emmène sur les routes un impressionnant panel d’espoirs européens. Cinq jeunes saxophonistes virtuoses venus des quatre coins du continent s’y expriment avec le soutien du quartet de Michael Cheret. Saxophoniste (alto et soprano) issu du CNSM de Paris, Michael Cheret réalise en 2002 un premier album (“Music inside Music”) qui réunit notamment Benjamin Hénocq, Diego Imbert et le contrebassiste Riccardo Del Fra. Cheret anime depuis 2004, en trio, la Vandojam (une jam session régulière) du Sunset à Paris. Il enregistre son deuxième opus, “Serious Things”, en 2005. Pour ce Tremplin Sax qui nous visite, le Calaisien frotte son anche à celle de cinq autres soufflants. Parmi ceux-ci, on remarque Max Pinto, brillant vainqueur à Vienne l’année dernière du tremplin national du RéZZo. À 26 ans, Pinto se donne un max ! Le sax de Max propulse un son brut, profond, où transpirent l’héritage des anciens (Coltrane, Shorter) et la vigueur des nouveaux (Sanchez, Redman). Il y a également là Luigi Grasso (alto et ténor), 20 ans, prodige italien qui peut déjà revendiquer deux albums sous son nom. Il y a encore le saxophoniste allemand (il est né à Hambourg en 1976) Christian Weidner, un élève de Charlie Mariano. Enfin, Gabor Bolla a tout juste 18 ans, et il vient de Hongrie. Antonin-Tri Hoang (17 ans) est issu du CNSM et des stages de Marciac. La Verrière Beat Assailant, alias “B.A”, s’affirme depuis octobre 2005 comme une étoile montante du rap, un numéro gagnant dans le métissage des genres... On avait déjà remarqué ce “tchatcheur” originaire d’Atlanta en Géorgie en tant que guest sur le projet Nu Tropic, aux côtés de Mounam. B.A vient de faire paraître un premier album (“Hard Twelve” - Wagram Electronic - 2005) pour lequel son producteur parisien Maxime (alias “Danny Wild”, par ailleurs musicien bien connu du côté des labels Jazzanova, Warp ou Dreyfuss Jazz, et co-fondateur de Twin Fizz Records à Paname) a convoqué pas moins de dix instrumentistes et choristes faits de chair et d’os. “Hard Twelve”, un titre qui représente à la fois un lancer de dés gagnant au craps et son nombre de titres, est un album d’une richesse remarquable. Pour ce premier manifeste, B.A et Dany Wild mélangent savamment la culture hip hop du MC, le jeu des musiciens de jazz et des arrangements de pure electro. Le répertoire met en valeur le “flow” (débit, diction) impeccable et nerveux de B.A, ses textes engagés sur les violences urbaines et ses chroniques fleuries sur les “mic battles” (combats d’improvisations) de sa Georgie natale. Issu à la fois d’une école d’arts du spectacle (la North’s Atlanta High School) et de la scène underground du hip hop d’Atlanta, B.A a déjà travaillé avec Sol Messiah (Zulu Nation), Danger Mouse ou Tim & Ted (La Face Records) avant d’enregistrer cet opus joueur à Paris.
Création en version concert d’un opéra jazz
Musique : Laurent Cugny En attendant sa prochaine réalisation scénique, Jazz à Vienne nous convie aujourd’hui à découvrir en version concert la création de “La Tectonique des Nuages”, un opéra-jazz tout à fait original. Heureuses et trop rares retrouvailles du jazz et d’un livret (on se souvient de la création de Carmen Jazz, en 93) portées par trois chanteurs de haute volée (David Linx, Laïka Fatien et Yann-Gaël Poncet), ce spectacle incarne la passion de Laurent Cugny pour la voix et l’orchestre (voir son passage mémorable à la tête de l’ONJ). La version concert devrait ravir les amateurs d’un jazz européen contemporain, résolument sensible. À la recherche d’un livret, François Rancillac (le co-directeur de La Comédie de Saint-Etienne qui mettra en scène l’opéra dans sa version finale) et Laurent Cugny sont tombés amoureux de la pièce “Cloud Tectonics” du dramaturge latino-américain José Rivera (auteur d’une bonne dizaine de pièces et scénariste des “Carnets de Voyage”, le film de Walter Salles sur la jeunesse de Che Guevara). L’œuvre de Rivera se présente à la fois comme un conte fantastique et une histoire d’amour entre un humain à priori banal et une fée hors temps. Sur toile de fond apocalyptique, alors que le ciel déluge et que la terre menace de trembler sous Los Angeles, Anibal de la Luna (David Linx) prend en stop une jeune fille enceinte jusqu’au cou et trempée jusqu’à l’os : Celestina del Sol (Laïka Fatien). Celestina est belle comme le jour, mais passablement bizarre... À peine a-t-elle franchi le seuil de la maison d’Anibal que toutes les horloges s’arrêtent ! L’entrée de Celestina dans le modeste logis, c’est l’irruption du fantastique dans la vie de cet “homme sans qualité”. Emporté par la vitalité, la sensualité et le mystère de Celestina, Anibal réapprendra peu à peu à chanter, à passer des mots à la musique. Cette nuit d’amour (qui durera deux ans !) entre un homme et une nymphe, c’est aussi la rencontre de la musique, du jazz et du théâtre... Club de Minuit - 23h30 À 72 ans, René Urtreger est un monument du jazz. Appelé vers 1955 par les révolutionnaires du bop (Kenny Clarke, Dizzy Gillespie...), compagnon de route du " Prez ", Lester Young, de Chet Baker, mais aussi de Dexter Gordon ou Johnny Griffin, il est l’un des partenaires historiques de Miles Davis dès 1956 (pour la légendaire BO du film “Ascenseur pour l’Échafaud”). En 1960, il obtient le prix Django Reinhardt pour le disque du trio HUM (Humair, Urtreger, Michelot). Au cours des années quatre-vingt, il se produit régulièrement avec Gillespie, Getz ou Konitz. Depuis le troisième volet de l’aventure parcimonieuse de HUM (un album tous les vingt ans !), il joue aujourd’hui en solo, en trio, ou bien encore au sein de ce brillant quintette qui nous visite. Urtreger expose là ses pièces mélodiques toujours tendues par un swing élégant. Le Parisien s’inscrit naturellement dans la tradition des pianistes bop. En live, Bud Powell ou John Lewis revivent parfois, fugitivement, sous ses doigts. Douce et étrange familiarité qui convie souvent la nostalgie. L’alsacien Michel Hausser demeure le meilleur vibraphoniste français de bop. Soliste hors pair, alter ego hexagonal de l’immense Milt Jackson, il a joué et enregistré avec rien moins que Sarah Vaughan, Quincy Jones, Stéphane Grappelli ou Don Byas... Il est aussi réputé pour être le créateur dès les années 50 du fameux jazz club de la Rive Gauche, le “Chat qui Pêche”. Hausser, également d’une élégance insolente, est un autre de ces “grands messieurs” du jazz hexagonal. La Verrière - 23h30 Le projet Marlango prend naissance fin 1998, à Madrid, lorsque la chanteuse Leonor Watling (plutôt connue à cette époque comme comédienne dans les films de Pedro Almodovar) et le pianiste Alejandro Pelayo enregistrent une première démo. Presque quatre ans plus tard, alors que le trompettiste Oscar Ybarra débarque en provenance de New-York, il entend la maquette du duo. Il tombe sous le charme, à la fois de la voix (et pas seulement ! Regardez donc la photo...) suave et du registre folk rock de Leonor. Il intègre illico le groupe qui prend le nom de Marlango en hommage à la Suzie Marlango de Tom Waits. Un premier opus paraît en 2004. Entre l’intensité en veilleuse d’une Patti Smith post 70’s et un timbre chaud de Lolita latine, la voix de Leonor Watling habite des chansons parfumées tour à tour à la pop, à la country, au jazz, ou même à la bossa nova. Le « son » Marlango exsude un musc plutôt indéfinissable, mais néanmoins entêtant. Le deuxième album (“Automatic Imperfection”) paraît en 2005. Le trio s’y oriente cette fois vers un pop rock assombri, digne de figurer sur la bande-son d’un film fêlé de David Lynch ou Hal Hartley.
Au début des années 1990, les Duffy (Tim et sa femme Denise) créent la “Nonprofit Music Maker Relief Foundation” pour soutenir de vieux bluesmen du Sud confrontés à la précarité. Durant ces quinze dernières années, cette MMRF a aidé près d’une centaine de musiciens. Music Maker est par ailleurs un label qui recherche et enregistre (tout en apportant son aide à travers la fondation) les derniers représentants du blues originel. Tim Duffy (le boss) souhaite ainsi préserver une partie du patrimoine culturel de son pays, tout en prouvant que le blues est plus que jamais vivant. Car dans le superbe double album-compilation paru il y a quelques mois (“Music Maker”, chez Dixiefrog), il mêle à ses vétérans magnifiques (le légendaire et défunt Guitar Gabriel, George Higgs, la fabuleuse Cora Mae Bryant...) quelques représentants plus juvéniles. Une indienne à bottleneck (Pura Fe’s, de la nation Tuscarora...), un whitney electro (le tout jeune Sol, qui propose un blues hypnotique monté sur boucles et samples rouillés) et une poignée de rednecks progressistes (l’épatant slide guitariste Mudcat, le fascinant bluegrasser Virginien Carl Rutheford)... Le panorama révèle une vitalité inespérée. Real Folk Blues Sessions Cette réunion de cinq fortes personnalités du blues contemporain, possédant chacune son identité et sa propre carrière, a pour intention initiale de rendre hommage aux légendes du folk blues. Muddy Waters, Elmore James ou Memphis Slim dans le rétroviseur, ces cinq as US portent l’héritage du blues profond (deep) à la manière, toujours salement électrique, du XXe siècle. Trois figures de proue se détachent de ce véritable all stars. Kenny "Blues Boss" Wayne est un formidable pianiste (ex-chef d’orchestre de Joe Louis Walker) nourri par Amos Milburn ou Charles Brown. Il chante d’une voix papier de verre (gros grain) un répertoire volontiers inspiré du rhythm’n’blues des années 40 et 50. Zac Harmon est originaire du quartier de Farish Street à Jackson, Mississippi. Un creuset qui révéla notamment l’immense Elmore James. Chanteur, guitariste et organiste formé à l’église du bloc, Harmon démarre sa carrière derrière ZZ Hill. On le retrouve plus tard dans les studios de Los Angeles, musicien de session, puis producteur et compositeur multicarte. Fils du chanteur et harmoniciste Carey Bell, cousin d’Eddie Clearwater, l’excellent Lurrie Bell a de qui tenir. À jamais marqué par Eddie Taylor, Lurrie Bell demeure pendant cinq ans le guitariste et chef d’orchestre du Koko Taylor Band. Vingt-cinq albums et des centaines de concerts plus tard, Lurrie Bell est devenu l’un des bluesmen les plus électrisants (et les plus imprévisibles) de Windy City.
Le guitariste et chanteur Keith B. Brown est originaire de Memphis. Découvert en 1995 par le musicologue et producteur David Evans, il effectue en solo sa première tournée française dès l’année suivante. On découvre alors un bluesman acoustique au style traditionnel, sombre et direct, doté d’une voix puissante. Solide, le jeu du guitariste sudiste mêle habilement le picking et le slide. Son répertoire laisse encore, à cette époque, une large place aux thèmes immortels de Skip James, Son House, Furry Lewis ou Robert Johnson. Le premier album de Keith B. Brown (produit en France) paraît en 1997. Il illustre le socle du style de Brown et cette période sous l’influence des grands créateurs du Delta blues. Fin 1999, le natif du Tennessee met le cap sur la Floride, à West Palm Beach, où il est engagé comme resident dans un club local, le Bamboo Room. Il y joue toujours 4 soirs par semaine. Installé en Floride, il travaille avec George R. Davis (auteur et producteur du classique d’Aaron Neville “Tell It Like It Is”) à la production de son second album, entièrement constitué de titres originaux. Keith B. Brown peut certes imiter à la perfection la voix haute et sensuelle de Skip James... Mais ce sont leurs similitudes physiques qui ont conduit Wim Wenders à choisir Keith Brown pour incarner le légendaire créateur de “Hard Times Killing Floor Blues” à l’écran, dans le film The Soul of A Man (diffusé au Théâtre antique lors de l’édition 2004 de Jazz à Vienne). La Verrière - 23h30 Avec cette brillante formation, qui a déjà sidéré le public présent à La Verrière lors de l’édition 2005 de Jazz à Vienne, l’Hexagone tient là (avec Booster, Wise, Sayag Jazz Machine...) l’une des rares formations electro jazz totalement convaincante. “Notre approche diffère de la plupart des projets electro jazz qui sont généralement initiés par des jazzmen se frottant aux nouvelles technologies. Nos compositions ne sont pas du jazz à proprement parler, mais une pure fusion entre electro, funk et hip hop” précise Thomas Faure (sax et programmation). La musique hybride de ce quartet formé en 2001 se voit adoubée en 2005 par les participations lumineuses à leur premier album (“Stardown” - Such/Naïve -) de quelques parrains tels Didier Lockwood, Flavio Boltro, Philippe Selam ou l’excellent Guillaume Poncelet (les cuivres de NoJazz). Treize musiciens invités se croisent au total dans cet album luxuriant, empli de tourneries jungle, traversé par un implacable piano Fender Rhodes (Gaël Cadoux) et les loopings cuivrés des solistes. Electro, certes, mais de luxe. Comme du Herbie Hancock cru 95 passé à la moulinette drum’n’bass.
The Golden Gate Quartet L’expérience du Golden Gate Quartet est unique. Ce groupe légendaire célébrait sept décennies d’existence en 2004 ! Clyde Wright, manager et mémoire vivante du groupe, demeure le point d’encrage dans la longue histoire du quartette. “J’appartiens au groupe depuis 54. Je contribue d’une certaine manière à maintenir l’âme du G.G.Q” déclare-t-il. Le Golden Gate Jubilee Quartet est né à Norfolk (Virginie) en 1934. Il est alors dirigé par le chanteur basse Orlandus Wilson. Avec l’a capella, il révolutionne l’univers du gospel, mais aussi la société de l’époque. En 1939, ils sont engagés au Café Society de New York, le premier club à pratiquer l’intégration raciale. Rebaptisé Golden Gate Quartet, le groupe exporte le gospel et les spirituals dans le monde entier à raison de quelque 200 concerts par an ! Il finit par s’installer définitivement à Paris en 1959. La flamme du Golden Gate ne s’éteint pas, elle se transmet au fil des multiples changements de chanteurs. Le style du Golden Gate tient d’abord à ses chanteurs à voix profondes, à des arrangements très écrits et à une constante influence des negro spirituals traditionnels. Il se caractérise également par l’influence technique des profanes Mills Brothers. Clyde Wright : “Les jeunes vont prendre la relève, comme cela a toujours été le cas depuis la naissance du groupe. S’ils pérennisent “l’esprit” du groupe, tout en lui apportant leur originalité, ce groupe peut exister pour l’éternité !”. New Spirit Fondé en 1999 par Carol Frazier, pianiste et chanteuse d’exception, New Spirit réunit huit jeunes chanteuses et musiciennes pour un répertoire de gospels et de spirituals authentiques et contemporains. Carol Frazier, qui fit longtemps partie des légendaires Stars of Faith, chante et accompagne l’ensemble avec plénitude et profondeur. Son jeu intègre à la musique religieuse traditionnelle des éléments de jazz et de blues. Exclusivement féminin, basé à Philadelphie (l’un des hauts lieux du gospel aux USA), le groupe visite pour la première fois l’Europe en 2005. Leur album “Glory, Glory Hallelujah” (Ebony Gospel records - 2004) démarre par le standard “We are Climbing Jacob’s Ladder”, véritable introduction au groupe dans laquelle se succèdent les solistes. Il y a d’abord Carol Frazier et sa voix grave, puis la fougueuse Joy Anderson, et enfin Louise Flemming et Nneka Best, plus véhémentes encore. New Spirit y donne aussi, a cappella, une version assez renversante de l’insubmersible “Joshua Fit the Battle of Jericho”. Cinéma Adaptation d’un succès de Broadway, “Un Petit Coin aux Cieux” est le premier film dirigé par Vincente Minnelli. Le jeune réalisateur met alors en scène une comédie musicale entièrement tournée avec des acteurs noirs. Il signe là un film fin et drôle, dénué de toute connotation raciste. L’histoire évolue au rythme des musiques enjouées de Harold Arlen et Vernon Duke ponctuées de séquences de pur bonheur où Louis Armstrong, Duke Ellington et Cab Calloway s’en donnent à cœur joie ! Chanteuse de jazz et actrice (surnommée "la tigresse" à cause de sa silhouette féline), Lena Horne apparaît dans de nombreuses comédies musicales de la MGM, mais elle n’aura jamais de premier rôle du fait de sa couleur de peau. La seule exception notable est ce “Cabin in the Sky” où elle joue le rôle de Georgia Brown. Dans ce film empli de swing et de fraîcheur apparaissent donc, outre Lena Horne, Ethel Waters, Louis Armstrong, Rex Ingram, Kenneth Spencer, Duke Ellington et Cab Calloway !
Depuis l’âge de 14 ans, cela fait six décennies que Benny Golson souffle dans un saxo ! Adolescent, son apprentissage se fait lors de jam sessions sur la Columbus avenue de Philadelphie, aux côtés des Philly Joe Jones, Tadd Dameron (“L’homme qui influencera le plus ma créativité”) et autre John Coltrane. Pour ce Pennsylvanien (il est né à Philadelphie en 1929) le premier grand succès arrive en 1955 avec sa composition “Blue walk”. Cette même année, il enregistre “Stablemates” aux côtés de Miles Davis. En 1957, à la mort tragique de son ami le trompettiste Clifford Brown, il compose le fameux “I remember Clifford”. De Golson, on retient ses participations au big band de Dizzy Gillespie (jusqu’en 58), puis aux Jazz Messengers d’Art Blakey (dont il fut le directeur musical dès 58), ou bien encore au Jazztet co-fondé avec Art Farmer. Mais l’apport le plus remarquable de ce musicien américain se situe sans doute dans une incroyable série de compositions pour la plupart devenues des standards. “Killer Joe”, “Along came Betty”, “Blues March”, “Whisper Not”, “Stablemates”, “I remember Clifford”... À 77 ans, Benny (oui, oui !) semble aujourd’hui avoir mangé du cheval. Mais pas de la vache enragée. Depuis une vingtaine d’années en effet, Golson a su utiliser ses talents en studio, et dans des circuits plus confortables que ceux du jazz. On le remarque ainsi aux côtés de Diana Ross, Sammy Davis Jr ou feu Lou Rawls. Le répertoire impressionnant écrit par Golson comprend aussi ses participations aux B.O de nombreux films et séries TV. Clifford Brown (1930 / 1956) Dianne Reeves Dianne l’enchanteresse revient décocher ses flèches au Théâtre antique. En juillet 1997, lorsque Dianne Reeves participe pour la première fois au Festival Jazz à Vienne, elle est encore peu connue en Europe. Mais Miss Reeves (née en 1956 à Détroit) est déjà une star aux Etats-Unis. Première chanteuse à être signée par le label Blue Note en 1987, une série d’albums très éclectiques vont dès lors propulser la chanteuse au firmament du jazz vocal. Dianne Reeves y est entourée de prestigieux musiciens, véritables mentors de celle que beaucoup considèrent alors comme la future “grande” du jazz. Il y a là, parmi d’autres, Duke Ellington, Sergio Mendes, Gene Harris, Harry Belafonte, James Moody, Herbie Hancock, George Duke (le cousin de Dianne)... Et bien sûr Clark Terry. C’est en effet le légendaire trompettiste qui, le premier, découvrait la toute jeune Dianne au lycée. En 1994, l’album “Quiet After the Storm” se voit récompensé par un Grammy Award. L’excellent “Live au New Morning”, trois ans plus tard, reste l’un des sommets de sa discographie. Tout ne serait pas bouclé pour la chanteuse du Michigan sans un album hommage à son idole, Sarah Vaughan. Elle enregistre donc “The Calling : celebrating Sarah Vaughan”. Club de Minuit - 23h30 Max Pinto, brillant vainqueur à Vienne l’année dernière du tremplin national du Rezzo, est un saxophoniste parisien à peine âgé de 26 ans. Pinto (que l’on doit également entendre à La Verrière le 29 juin, au sein de Beat Assailant) demeure très présent sur la scène parisienne, tant au sax ténor qu’à l’alto, au soprano, au baryton ou à la flûte ! Particulièrement à l’aise dans tous les styles (jazz, latin, funk ou hip-hop), il est régulièrement à l’affiche des plus belles salles (Duc des Lombards, Petit Journal Montparnasse, Baiser Salé, Sunset...). Pinto s’y donne un max. Le sax de Max propulse un son brut, profond, où transpirent l’héritage des anciens (Coltrane, Shorter) et la vigueur des nouveaux (Sanchez, Marsalis, Redman), un jeu ensoleillé aux couleurs volontiers latines (il fréquente d’ailleurs assidûment la scène latino de Paname). Ce jeune Pinto fougueux peut revendiquer un cursus au cours duquel il a déjà joué aux côtés de Franck Lacy, Simon Goubert, Benjamin Henocq, Ray De La Paz, John Betsch, Azuquita, Sarah Morrow, Guem, Wayne Dockery... Et dans les big band de Sylvain Beuf ou Franck Lacy ! C’est finalement Franck Lacy qui définit le mieux ce sax parisien en pleine ascension : “Pinto ? He’s mad... Max !”. A vif ! Avec A’brass - Prix spécial du jury du RéZZo 2005 Lorsque vous évoquez ce brass band groovy, vous ne dites plus Abracadabrass comme lors de sa création en 1997, mais désormais A’brass. Quatre tubas, saxo et batterie, c’est le noyau de base de ce gang picard auquel s’ajoutent au fil des ans le violon, les percussions, le trombone, la clarinette... À’brass évolue joyeusement dans un univers où jazz, funk, rock et musiques du monde dansent ensemble le boogaloo. “Dès le départ, nous voulions sortir des sentiers battus en rassemblant des instruments plutôt rares, voir inutilisés”, précise Lionel Rivière, tubeniste et corniste, membre fondateur de ce sextet original. Tuben (un cuivre allemand de la famille des cors), tuba, sousaphone, sahorn basse... De fait, l’artillerie des Compiégnois se révèle un savant mélange de tuyauteries antiques et harmonieuses. Ils la mettent avec brio au service de leurs compositions ondulatoires et festives, ce que démontre leur deuxième album, “À vif !”, enregistré live voici trois ans. A’brass revient donc en fanfare (et sans trompette) au festival après avoir remporté un Prix Spécial du Jury au cours du tremplin RéZZo 2005.
Le ministre tout juste nommé était là, sur la scène du Théâtre antique, en 2003. Il revient donc, pour représenter le Brésil cette année. Élevé dans un petit village de la région de Bahia, Gilberto Passos Gil Moreira s’éprend très tôt de la musique de Joao Gilberto. Il forme son premier groupe dès la fin des années 50. Dans le début des années 60, Gilberto Gil enregistre ses premières chansons et rencontre d’autres artistes de sa génération : Caetano Veloso, Maria Bethania, Tom Zé ou Gal Costa. Avec eux, il fonde le mouvement culturel “tropicaliste” qui associe les traditions cariocas, la bossa nova, les lamentos du Nordeste, le rock et le rhythm’n’blues. Porté par une jeunesse affamée de liberté dans un Brésil sous dictature militaire, “Tropicalia” (le premier manifeste enregistré du tropicalisme) remporte un succès phénoménal et fait trembler les militaires. Gilberto Gil et Caetano Veloso, chassés par le régime totalitaire, s’exilent à Londres en 1969. Gil y reste trois ans. À son retour, le chanteur n’a de cesse d’ouvrir ses horizons musicaux et de diffuser ses manifestes mélodieux contre toute forme de racisme et d’oppression. Il devient l’un des représentants majeurs de la musique brésilienne dans le monde. Il mélange bientôt (au début des années 80) la musique brésilienne et ce reggae jamaïcain découvert lors de son exil londonien. Après un premier passage à la vie politique de 1988 à 1992 en tant que conseiller municipal de Salvador, Gilberto Gil est nommé (en 2003) par le président Lula ministre de la Culture du premier gouvernement de gauche du Brésil. Artiste complet, Gilberto Gil a bâti son succès sur un charisme solaire, sur son talent et son éclectisme musical, et sur ses textes engagés. Joyce E Grupo Joyce est l’une des figures les plus respectées de la culture carioca. Elle est à la fois l’auteur et compositeur d’une série de chansons inoubliables, véritables standards du répertoire brésilien (“Feminina”, “Mistérios”), et une guitariste bossa nova redoutable. Chanteuse au timbre soyeux et aux accents jazzys, journaliste, écrivain et poétesse féministe, cette fille d’Ipanema (là) possède sa place au panthéon do Brasil. Émule de l’incontournable Elis Regina (elle lui a consacré un album, “Astronauta - Songs of Elis”, en 98), Joyce entre dès 1967 dans le cœur de ses compatriotes. En particulier dans celui des femmes, avec une chanson libre et controversée, “Me Disseram”. Vulgaire et immorale pour les uns, féministe et courageuse pour les autres, Joyce devient tout à coup une icône, un symbole. Cette même année paraît son premier album éponyme (“Joyce”). La chanteuse y mêle ses propres compositions à celles de jeunes auteurs compositeurs alors tout aussi débutants qu’elle : Paulinho da Viola, Marcos Valle, Caetano Veloso, Toninho Horta & Ronaldo Bastos... Le disque fait un tabac auprès de la jeunesse frustrée de Rio. C’est le début d’une carrière emblématique. La musique de Joyce fut (re)découverte dès 93 par la scène electro et les Djs londoniens, qui populariseront les classiques de la diva carioca (“Femina”, “Baracumba”, “Ogum”...) sur tous les dancefloors de la planète. Club de Minuit - 23h30 Tornade de fougue et de volubilité, saxophoniste au swing naturel, bopper hors pair, risque-tout du scat, diable de showman à l’humour pétillant et à la folie mal dissimulée derrière une allure bonhomme, Daniel Huck ne saurait laisser indifférent. Capable d’évoquer aussi bien le slap primitif de Stump Evans que le cri d’un Albert Ayler, ce musicien né à Paname en 1948 revendique clairement l’héritage de Coleman Hawkins et de Charlie Parker, l’influence de Satchmo et Benny Carter. Catalyseur de projets et showman reconnu, Huck le sax est un chanteur épatant, capable de revisiter Cab Calloway en improvisant un sabir à décrocher les maxillaires. Il est, de plus, l’un des quelques Jazzmen vraiment experts en l’histoire du Jazz. En 1981, il fonde Slapscat, formation vocale largement inspirée du croustillant répertoire de Slim Gaillard. Il a notamment collaboré avec Eddy Louiss, et il est aujourd’hui l’invité “dynamite” d’une multitude de formations. Il croise cette fois le fer au Club de Minuit avec un gang réuni par l’intrépide pianiste Olivier Truchot. Prix Sidney Bechet de l’Académie du Jazz en 1982, Prix Django Reinhardt de la même Académie en 1997... La discographie de Huck, ce géant hexagonal, s’étend sur plus de 100 albums. Huck, un sacré costaud ! La Verrière - 23h30 Nouveaux chouchous du label Crammed Discs, le groupe Think Of One est originaire d’Anvers. Excentriques et hyper actifs, les six musiciens qui composent le groupe partent régulièrement pour des destinations lointaines afin d’y collaborer avec des musiciens Marocains, Brésiliens, Congolais ou Inuits. Ces rencontres génèrent de nouveaux objets musicaux joyeux et festifs. Récompensé par un BBC Award for World Music, T.O.O. figure parmi les rares groupes qui mettent réellement en pratique l’idée de “transculturalisme”. Le magazine britannique Roots décrit le sextet comme “un mélange de cuivres tonitruants, d’énergie punk, de basses funky et d’expérimentations jazzy fondu à des rythmes et des chants de la planète entière...”. De fait, il se dégage de cette fusion-là de fortes influences tsiganes, mais aussi des parfums d’épices jamaïcaines, africaines ou brésiliennes. “Tráfico”, leur premier album, a été justement enregistré à Recife (Brésil). Imprégnée de rythmes nordestins (côco, maracatu, forró), la musique de ces gens du Nord y est parsemée de claviers aux sons improbables, de curieux échanges vocaux luso-flamands et de tranches de vies murmurées en dialecte anversois, le tout sur de remarquables arrangements de jazz exécutés par un quasi-big band. Étrange fiesta garantie !
Carla Bley Big Band La californienne Carla Bley (née Carla Borg, en 1938 à Oakland), pianiste et compositrice, figure incontournable des années 70 largement identifiée à son opéra jazz “The Escalator Over the Hill” (1971), revient donc envoûter en bande le Théâtre antique. Milieu des années 50, à New-York. Carla a alors 17 ans. Précoce, elle vend des cigarettes au Birdland. Elle y rencontre le pianiste Paul Bley avec lequel elle se marie en 1957. Il l’encourage à composer. Paul joue ses thèmes, mais aussi Jimmy Giuffre, George Russell ou Art Farmer. Divorcée, elle rencontre bientôt Michael Mantler. Carla et Michael dirigent ensemble le fameux Jazz Composers’ Orchestra. Elle travaille avec Robert Wyatt, puis avec Nick Mason (batteur de Pink Floyd). Elle écrit “A Genuine Tong Funeral” pour Gary Burton. Elle joue en duo avec l’élastique bassiste Steve Swallow sur “Duets” en 88, puis “Go Together” en 92. Casquée de blond, puis de blanc, madame Carla a ainsi enregistré quelque 25 opus depuis “Escalator Over the Hill” (écrit en collaboration avec Paul Haines). Entre un album sous son nom seul, un autre avec son Big Band (deux enregistrements seulement depuis 96), Carla Bley compose et écrit aujourd’hui des arrangements pour le Charlie Haden’s Liberation Music Orchestra (en 2005, sur l’album “Not In Our Name”). À la tête de ce bel outil d’une vingtaine d’âmes qui nous rend visite, cette ex passionaria de l’avant-garde 70’s demeure la muse de bien des musiciens contemporains. Belmondo / Yusef Lateef : “Influence” Avec “Hymne au Soleil”, en 2003, les Belmondo ont fait l’unanimité en France, suscitant tous les éloges, raflant tous les prix (retenons les Victoires du Jazz 2004 et 2005). Sous l’étendard Belmondo, on trouve donc Lionel, le saxophoniste et arrangeur. On trouve aussi Stéphane le trompettiste, le voyageur. Méditerranéens de cœur, parisiens d’adoption, voilà une quinzaine d’années que les deux frères se sont passionnément voués à l’illustration du hard bop comme vérité du jazz. Pour cela, ils ont relevé (notamment dans la première moitié des années 90) tous les défis de ce style, jusqu’à y exceller (dans le Belmondo big band comme en quintette)... Et recevoir même les compliments d’Horace Silver en personne ! Lionel Belmondo a bientôt l’idée d’augmenter le Quintet de six instrumentistes venus du classique. Ils “habitent” alors quelques œuvres composées par Lili Boulanger, Maurice Duruflé, Ravel ou Fauré. Cette alliance prend désormais une nouvelle dimension avec le renfort prestigieux de Yusef Lateef. Lateef qui, aux côtés de Dizzy Gillespie, Charles Mingus ou Cannonball Adderley, fut l’un des héros du hard bop avant de l’étendre jusqu’aux dimensions d’une “world music” cosmique. Souffleur aventureux depuis les années 50, Yusef Lateef se laisse désormais porter par un courant classique. Dans ce nouveau voyage, les frères Belmondo se font à la fois guides et disciples. “Pour moi, Yusef Lateef est un père spirituel, un maître” déclare Lionel. Club de Minuit - 23h30 Le Cholet-Känzig-Papaux Trio naît en février 2002, au théâtre d’Auxerre, à l’occasion de la résidence d’artiste du pianiste Jean-Christophe Cholet. Le trio se démarque par sa volonté de réinventer son univers à chaque représentation. Jean-Christophe Cholet (F) a étudié le jazz auprès de Bill Dobbins, Kenny Barron et Kenny Werner. Compositeur et arrangeur reconnu, il écrit pour la danse, le cirque, le théâtre ou la musique symphonique. On le voit côtoyer Wolfgang Puschnig, Louis Sclavis, Michel Portal ou Paolo Fresu. Le bassiste suisse Heiri Känzig est membre du Vienna Art Orchestra depuis 15 ans. Il a travaillé avec Jack Bruce, Richard Galliano, l’ONJ ou John Scofield... On peut l’entendre donner du rebond à pas moins de 80 albums ! Marcel Papaux, batteur fribourgeois, forme avec Känzig la rythmique helvète la plus sollicitée du moment. La complicité du trio avec le légendaire saxophoniste (alto et soprano) Charlie Mariano démarre en 2003. À ses débuts, Charlie Mariano est un artiste dans la pure lignée de Charlie Parker, avec une sonorité très feutrée, un phrasé véloce. À plus de 80 ans, ce saxophoniste charismatique garde une fraîcheur incomparable, un jeu méditatif où le choix des notes a pris une importance capitale. Nous avons (aurions) pu l’écouter avec Charlie Mingus, Elvin Jones, Hank Jones ou Bud Powell... Le voici donc avec les orfèvres franco-suisses ! La Verrière - 23h30
George Benson, guitariste et chanteur de génie, a tout joué : du jazz, du R&B, de la soul, de la pop. Depuis son premier album en 1964, il a porté avec élégance de nombreuses casquettes. Les puristes du jazz les plus austères l’ont boudé à la charnière des années 80, dès que le guitariste s’est mis à chanter d’une voix soul imparable ses tubes planétaires, “Give Me the Night” ou “On Broadway”. Avant cela, certains de ses albums instrumentaux (et notamment le multi platiné “Breezin’” paru en 1976) se sont déjà vendus à des millions d’exemplaires. L’incroyable succès populaire de Benson a même favorisé l’apparition d’un nouveau format de radio jazz aux Etats-Unis, le NAC (New Adult Contemporary). À la fois, donc, légende de la guitare hard bop et superstar du R&B ou de la pop, l’imprévisible Benson (63 ans aujourd’hui) peut dès lors collaborer avec des artistes aussi différents que Herbie Hancock ou Stevie Wonder. Au-delà des genres, sa véritable passion demeure la guitare. Des étoiles brillent dans les yeux de Benson lorsqu’il évoque quelques-uns de ses héros. Charlie Christian, Django Reinhardt (“sa technique inspire tout guitariste”), Biréli Lagrène (“il a l’instinct d’un félin... Mais quand va-t-on jouer ensemble ?”), Wes Montgomery ( “il a été mon mentor”). Depuis que le grand public a découvert sa voix de miel et son sourire de tombeur soul, George Benson se ballade avec huit Grammy awards dans la poche intérieure de son smoking de soie sauvage. L’album live qui vient de paraître (enregistré il y a six ans lors d’une tournée en Irlande) semble démontrer que le charmeur Benson n’a rien perdu, ni de son lyrisme, ni de son groove époustouflants. Bettye Lavette L’année dernière, Bettye Lavette, légende de la soul à la soixantaine rageuse, faisait un grand retour avec le crépusculaire "I’ve Got my Own Hell to Raise" (Anti Records). Sur cet album inespéré, encensé avec une belle unanimité par la critique, la soul diva blessée par une vie et une carrière à dépressions a choisi de ne chanter que des chansons de femmes fortes et engagées : Joan Armatrading, Sinead O Connor ou Lucinda Williams. Produit au cordeau par Joe Henry, ce retour discographique met les pendules à l’heure : Tina fait de la pop, sa cadette Bettye fait toujours de la soul. Bettye Lavette est née dans le Michigan à la fin des années 40. Elle grandit à Detroit. Elle enregistre à l’âge de 16 ans "My Man (he’s a lovin man)" pour Atlantic et enchaîne quelques simples pour les labels Calla, Karen, Atco ou Epic. Au début des années 70, elle enregistre l’album "Child of the 70’s" pour Atco/Atlantic. Le disque ne verra jamais le jour. “Le type qui a pris cette décision de ne pas publier mon album doit aujourd’hui vendre des voitures d’occasion...” lâche-t-elle, amère. Le collectionneur et spécialiste de la “black music” Gilles Pétard a miraculeusement retrouvé les bandes. Publiés sous le titre "Souvenirs - The complete Atlantic/Atco recordings" (Art&Soul / Mélodie), ces huit singles et une douzaine de titres enregistrés en 72 permettent le meilleur des flashbacks sur la première partie de carrière de la grande dame qui nous visite cette année. Dotée d’une voix cassée, rauque, façon Tina Turner, d’un timbre patiné par la douleur, la colère et le temps, Miss Bettye demeure plus que jamais envoûtante. Dans cette gorge là, même les chansons d’amour prennent une allure tragique. www.bettyelavette.com Club de Minuit - 23h30 “Il y a du vaudou dans les envoûtements rythmiques et mélodiques de la guitare du Béninois, de la magie blanche dans sa voix. Avec “In a Trance”, son premier album (guitare solo !) paru fin 2005, Lionel Loueke réussit un disque aux contours infinis” - Jacques Denis - (Vibrations, février 2006). Lionel Loueke est en passe de devenir une étoile de la musique. À 20 ans, il se convertit au jazz en écoutant Wes Montgomery ou George Benson... sans abandonner l’Afrique de l’Ouest qui vit sous ses doigts, qui pulse naturellement en lui ! Riche d’effets, parée de pédales, cette guitare laisse pantois, passant de l’accompagnement d’une mélodie d’enfance chantée avec le miel du griot aux explorations barbelées les plus free. Le Béninois vit à New York, et quelques majors lui font les yeux doux depuis qu’il a été repéré (et embauché) par Herbie Hancock, Wayne Shorter, Terence Blanchard ou Sting. Loueke l’Africain laisse entrevoir qu’il a écouté Derek Bailey autant que le blues, Jim Hall comme James Blood Ulmer. Il donne à la guitare un souffle percussif, un flux imparable zébré de surprises et d’épines sonores. Le saxophoniste Jean Toussaint est engagé à l’âge de 24 ans par Art Blakey. Il reste quatre années chez les Jazz Messengers et travaille ensuite avec McCoy Tyner, Gil Evans ou Wynton Marsalis. Il y a dix ans, il s’installe à Londres et tourne avec Max Roach, Cedar Walton ou Horace Silver. Fortement influencé par Coltrane et Shorter, Toussaint possède un son d’une ampleur impressionnante et un jeu d’une rare élégance (dernier album : « Blue Black »). La Verrière - 23h30 Relativement neufs dans la filière des musiques electro organique (la formation naît en 2001), voici les Canadiens Plaster, de Montréal. Héritiers de la famille jazzoïde des (électriques) Medeski, Martin & Wood, d’Amon Tobin, de Herbalizer, de JazzaNova, Jaggajazzists et autres Cinematic Orchestra, ces trois instrumentistes notoires de la scène québécoise (aux deux tiers issus de l’école de musique de Drummondville, puis du groupe Afrodizz) enregistrent un premier album (“First Aid Kit”) en 2005. La même année, le trio se voit plébiscité par le Festival de Jazz de Montréal pour la deuxième année consécutive. Plus récemment, c’est la diva du hip hop et de la nu soul Lauryn Hill (ex-Fugees) qui fait appel à Plaster en studio. À l’instar des performances multimédias des Français de Sayag Jazz Machine, l’univers musical déjà passablement “cinématographique” de Plaster se double, en scène, de projections et d’effets visuels impressionnants. Sur fond de drum’n’bass urgente, l’homme, ses claviers, sa basse et ses percussions, la matière plastique, l’acier et le bois (plus le plâtre -plaster- !) se mêlent intimement aux samplers, aux filtres et aux multi effets. Le chaud cocktail de la Belle Province se déguste cul sec ; pour réchauffer d’abord, puis pour étourdir.
C’est avec le Trio Beyond, un tout autre (et rare) projet, qu’il visite l’Europe en ce mois de juillet. Le répertoire de ce trio Beyond, formé à l’initiative du légendaire batteur Jack DeJohnette et avec la complicité du pianiste et organiste Larry Goldings (déjà omniprésent sur l’album “That’s what I say”) est à rapprocher de celui qui les réunit déjà, depuis un concert californien de novembre 2004, sous la bannière du Celebrating Tony Williams group (CTW). Ce CTW dont DeJohnette nous promettait pour bientôt, il y a deux ans déjà, un enregistrement. Le Trio Beyond se présente donc plus comme un prolongement freak out de ce CTW que comme un dérivé du John Scofield Trio (avec Steve Swallow et Bill Stewart). Vous me suivez bien, jusqu’ici ?... Et encore, je ne vous parle même pas du John Scofield Überjam Band réactivé dernièrement ! Natif de l’Ohio (en 1951), Scofield possède un jeu résolument out, avec une sonorité atypique faite de saturation et de réverbérations, comme passé au travers d’un Leslie d’orgue Hammond. Quel que soit le contexte, les phrasés de “Sco” conservent toujours une rare élégance. John Zorn Acoustic Masada Saxophoniste, compositeur, arrangeur et producteur new-yorkais, John Zorn demeure l’un des créateurs de musique(s) les plus surprenants de ces deux dernières décennies. Souvent catalogué parmi les marginaux de la planète jazz, parfois ignoré par les milieux les plus académiques, ce musicien emblématique de l’avant-garde new-yorkaise construit une œuvre colossale. Les explorations de Zorn vont de la musique symphonique (The Bribe) à la musique de films (Filmworks I à VII), en passant par le rock happening et une sorte de “post-free” cataclysmique (la bien nommée expérience Painkiller menée au milieu des années 1990 avec Bill Laswell). Son propre label (Tzadik Records) peut être considéré comme l’un des carrefours musicaux de la planète, à l’image de la mégapole où il est installé : New York. Tzadik et toute l’œuvre de Zorn se présentent avant tout comme des laboratoires. Dans ces creusets se télescopent un maelström d’influences et d’inventions. Là, les expérimentations les plus folles prennent corps comme aux meilleurs moments de la Factory d’Andy Warhol. Dans la foulée de son cinquantième anniversaire célébré l’an dernier en une série d’albums live, cet explorateur ramène aujourd’hui son galion du côté de Masada. Ce quartette avant-gardiste, héritier par bien des aspects de celui d’Ornette Coleman, plane en auto combustion, à des années-lumière de toute médiocrité. Club de Minuit - 23h30 Avec une brillante carrière bâtie sur quatre décennies en tant que chanteur, compositeur (on lui doit le tube “How do you Talk to an Angel”) et producteur, le Texan Steve Tyrell (il débute à Houston à l’âge de 16 ans) illustre à merveille cette race de musiciens en voie de raréfaction : le crooner jazz traditionnel. Dans ce secteur de la musique populaire américaine entre grande variété, ballades et swing, ce songwriter et interprète à succès (dès les années 60, sous la houlette d’un Burt Bacharach débutant, et jusqu’à son récent album “A New Standard”), ce producteur expérimenté (il a, tout jeune, été formé dans le légendaire studio de Cosimo Matassa à la Nouvelle Orléans, puis il a produit le groupe Blood, Sweet & Tears à New-York) fait figure d’exception. Exception au milieu de cette 26e édition de Jazz à Vienne, assez peu vocale par ailleurs (côté jazz), et dans la production actuelle en général ! N’étaient les héritiers Harry Connick ou John Pizzareli junior, les récents Michael Bublé ou Peter Cincotti et quelques rockers reconvertis au jazz (Elvis Costello, Rod Stewart, Bryan Ferry, Brian Setzer dans le swing...), le chanteur de charme au registre jazz ne fait pas florès ces dernières années. À sa voix souple et canaille, légèrement éraillée, puissante, Steve Tyrell ajoute un solide sens de l’arrangement populaire, que ce soit pour ses propres thèmes ou sur des standards de Ray Noble, Irving Berlin ou Lady Day. Quoi de plus naturel, donc, pour ce crooner argenté (des tempes aux droits d’auteur) que de rendre aujourd’hui hommage au répertoire emblématique de the Voice, Franck Sinatra (album “Songs of Sinatra”). La Verrière - 23h30 Le jazz aime la liberté. Ainsi Ornette Coleman, qui a brisé la plupart des contraintes liant le jazz à ses structures traditionnelles. Ainsi Miles Davis qui s’est emparé des sons de la rue et qui les a librement injectés dans le jazz pour créer la fusion. Faisons maintenant un bon de plus de trois décennies pour découvrir Gutbucket. Avec d’autres défricheurs new-yorkais tels Garage à Trois (avec le guitariste Charlie Hunter) ou Garaj Mahal, les furieux Gutbucket malaxent sans complexe l’improvisation, le free, le funk du ghetto, le heavy metal et plus encore (si affinités) en une fusion pour le XXIe siècle. Gutbucket, c’est un peu Ornette ou Miles tapant le bœuf avec Sonic Youth. Le guitariste et meneur du groupe, Ty Citerman, tricote une rythmique de funk teigneuse tandis que Paul Chuffos s’embarque, sur son kit batterie voyageur, vers des rythmes latins caliente. Entre deux déhanchements bien ronds, la basse fuzz évoque tout à coup le son des ongles sur l’ardoise... Le saxophoniste hurle alors à plein poumons dans sa tuyauterie Selmer. L’ensemble déboule sur un bon vieux rhythm’n’blues des années 50, avant de construire avec science la progression ternaire de “O.J Bin Ladi ” ou “Dance of the Demented Pigeon”, deux de leurs titres phares ! Mais s’ils peuvent être la Bête, les Gutbucket savent aussi, parfois, jouer la Belle le temps d’une dissonance amadouée. Gut, gut.
À 42 ans, le trompettiste Wynton Marsalis, Prix Pulitzer de la musique 1997, chef d’orchestre, compositeur, pédagogue, directeur (du Lincoln Center) et businessman averti enchaîne les disques (40 albums en vingt ans), les tournées (120 concerts par an), les master classes, les récompenses (8 Grammy Awards ) et même, son Ipod Apple collé aux oreilles, les campagnes de pub planétaires. Il n’y a que deux musiciens au monde que l’on surnomme “ambassadeurs” du jazz : Louis Armstrong et son héritier, Wynton Marsalis. Tous deux viennent comme par hasard du berceau néo-orléanais. Les solos d’Armstrong naviguent désormais dans l’espace à bord de Voyager 2, et la statue de Marsalis se dresse sur une place du village de Marciac. Le monde du jazz américain considère régulièrement Marsalis comme son porte-parole. Le monarque du jazz (photographié il y a peu au côté de Kofi Annan à la Maison-Blanche) tente pourtant de conserver l’âme de ce gamin né à La Nouvelle-Orléans, de cet héritier d’une longue tradition culturelle et musicale. Son père, Ellis Marsalis, a été un grand musicien et un fameux pédagogue. Il a appris à ses fils que cette musique était un mélange de souvenirs sanglants, de bruits de chaînes, de champs de coton, de cantiques de rage et de désespoir, de parfum de riz créole et de haricots noirs servis sur un plateau de bois... Aujourd’hui, Wynton Marsalis considère toujours que le jazz demeure cet instrument de reconnaissance artistique et sociale, ce médium idéal pour une quête d’identité atavique. “Je veux que le jazz soit reconnu, et je me battrai chaque jour de ma vie pour le jouer, l’enseigner et le propager” déclare-t-il avec flamme. Rhoda Scott Trio featuring Ricky Ford Née aux États-Unis, fille aînée d’un pasteur itinérant, l’organiste et chanteuse Rhoda Scott a grandi dans l’ambiance des communautés religieuses et des églises noires de la Côte Est. C’est là qu’elle acquiert le socle de son style instrumental et vocal. À 25 ans, elle sort de la Manhattan School of Music de New York, Grand Prix du Conservatoire avec mention spéciale du jury, plus une Maîtrise en poche. Une élève douée. Nous sommes en 1967. Elle s’envole pour l’Europe afin d’y terminer son cursus par l’étude du contrepoint et de l’harmonie chez Nadia Boulanger, à Fontainebleau. Elle se produit bientôt, presque par hasard, sur la scène du Midem de Cannes. Dès lors, dans cette fin des années 60, la carrière internationale de Rhoda Scott explose. Devenue une “vedette” pour le grand public, Rhoda est accueillie dans le monde entier. Elle devient “The Barefoot Lady”, “l’Organiste aux pieds nus”... Plus de quarante albums aux productions versatiles plus tard (de “Rhoda Scott in New York” avec l’énorme Thad Jones / Mel Lewis Big Band, jusqu’à “Rhoda Scott, Orgues de Noël”), Rhoda Scott demeure une pionnière parmi les musiciennes de jazz en Europe, et une référence immédiate en matière d’orgue Hammond. Pour Jazz à Vienne cette année, Miss Scott retrouve l’impérial Ricky Ford au saxophone. Cette figure du sax n’en est pas là à sa première rencontre avec le double clavier de Rhoda, comme en témoigne notamment l’album live qui vient de paraître (“Very Saxy”, où figure également Huston Person). Etienne Mbappé - Talent Jazz Adami La basse est l’instrument fétiche d’Etienne Mbappé. Entre ses mains immenses, elle caresse et mutine, elle groove, imparable, comme les hanches des danseuses de makossa. La musique du Camerounais, c’est une mélancolie africaine qui a son jazz à dire. Fondateur du groupe Ultra Marine (1986-1992), surprenant Quincy Jones lors des célébrations du Bicentenaire de la Révolution française, place de la Bastille, en 1989, diable de bassiste élastique enthousiasmant le public de Douala en compagnie de Richard Bona et Guy Nsangué, Étienne Mbappé est un musicien généreux et élégant. Il offre aujourd’hui ses hommages au chantre Berbère Lounes Matoub (“Olo Iho”) et à Francis Bebey, le poète. Des musiques traditionnelles au jazz (avec l’ONJ), en passant par les variétés (avec Jonasz), Etienne Mbappé l’instrumentiste a tracé au fil des ans un parcours sous le signe de l’ouverture. Son premier album (“Misiya”) révèle un chanteur suave, naviguant avec goût aux frontières de la musique africaine, du groove et de la pop. Le bassiste et compositeur développe là cette pop ethnique pleine de fraîcheur par la grâce d’arrangements sophistiqués, inventifs. Barattant ses thèmes sur des rythmiques traditionnelles camerounaises (makossa, bolobo, sékélé) majoritaires, Mbappé chante en Douala et passe avec souplesse d’une ballade bleue (guitare et violoncelle) à de puissantes tourneries ternaires internationales (“Ee Tokem”). Club de Minuit - 23h30 Si, comme le disait Michael Brecker, la plupart des musiciens de jazz sont “sous-estimés”, que dire des disciples des grands sous-estimés ! Ainsi le pianiste Pierre Christophe, un émule du méconnu Jaki Byard. Né à Bourges en 1969, Christophe (oui, Pierre) a grandi à Aix-en-Provence. Pour ses quatorze ans, on lui offre le “Concert by the sea” d’Erroll Garner qui devient son disque fétiche. Pour ses dix-huit ans, on lui fait cette fois découvrir Sam Rivers (“Fuchsia Swing Song”). “J’ai voulu savoir qui était le pianiste fou de ce disque qui incorporait dans son jeu tous les éléments du jazz” se souvient Pierre (Christophe, exactement). Il s’agissait de Jaki Byard, et c’était de cette façon que le Français voulait jouer. “En 90, j’ai réussi à aller à New York pour étudier avec lui. Il était généreux et singulier. Pendant un an, nous n’avons travaillé que du stride. Pour lui, il était impensable de jouer du piano sans connaître cette histoire, il n’y avait pas de différence entre Earl Hines et Hancock...”. De retour à Paris, Pierre Christophe entre dans le groupe de Xavier Richardeau. Puis il décide de lancer ce projet sur la musique de Byard qui lui avait confié pas mal de compositions inédites. “Quand il a été assassiné, cela a été un choc...” dit-il. Il forme un trio avec Clovis Nicolas (b) et Mourad Benhammou (dm), puis un quartet où l’on remarque le bassiste Daniel Yvinec. Il joue avec Michel Pastre et dans le big band de Gérard Badini. En Hollande, avec l’altiste Benjamin Herman, il enregistre enfin les compositions de Byard. La Verrière - 23h30
La famille Neville (d’origine martiniquaise) incarne depuis la fin des années 50 la culture de La Nouvelle-Orléans, formidable creuset musical où se sont toujours mêlés traditions américaines, épices caraïbes et rythmes cajuns, africains ou latins. Leur musicalité époustouflante, leur authenticité et leurs messages positifs notamment portés par le timbre surnaturel d’Aaron Neville ont provoqué l’admiration de leurs pairs. Dès 1954, Art Neville (il n’a alors que 16 ans !) écrit un premier tube. Ce “Mardi Gras Mambo” deviendra l’hymne officiel des fameuses fêtes du Mardi gras à La Nouvelle-Orléans. À la tête des légendaires Hawketts, Art joue pour Little Richard, Allen Toussaint, Dr John... Charles (au saxophone) et Aaron Neville (dans les chœurs) le rejoignent souvent. Aaron Neville enregistre de sa voix d’ange un premier succès en 1960 (“Over You”). Fin 66, il décroche brusquement un tube mondial avec “Tell It Like It Is”. Frank Sinatra déclare alors : “ce Aaron Neville est le plus grand chanteur de la planète !”. En 68, Art et Cyril Neville (aux congas) fondent les légendaires The Meters. Véritable chaînon manquant entre Booker T & the MG’s et les JB’s, les Meters sont alors l’une des formations les plus décisives de la funk music naissante. Enfin, la famille fonde les Neville Brothers en 77. Il faudra attendre 1989 et l’album “Yellow Moon”, magnifiquement produit par Daniel Lanois, pour que les Neville accèdent ensemble au statut de stars internationales. Paru fin 2004, le furieux album “Walkin in the Shadow of life” marque le grand retour des Neville “aux affaires” du funk pur et dur. Ce disque séduit immédiatement par son groove musclé, implacable. Puis, peu à peu, les harmonies de miel du clan de Valence Street soufflent leur brise vanillée... Du grand Art (Neville, bien sûr !) Charmaine Neville Issue de la troisième génération des légendaires Neville (elle est la fille de Charles Neville, le saxophoniste), Charmaine s’est toujours battu pour imposer son style ouvert, son joyeux catalogue des courants divers (du jazz New-Orleans au funk, en passant par le mambo et le Mardi Gras...) circulant à La Nouvelle-Orléans. On remarque d’abord la chanteuse en tournée internationale au sein du bateau amiral des Neville Brothers, puis dans l’aventure The Survivors (en compagnie de Harry Connick Jr et Bobby McFerrin). Charmaine collabore régulièrement aujourd’hui avec le saxophoniste Reggie Houston (ancien compagnon de route de Fats Domino). L’album le plus récent du Charmaine Neville Band est un enregistrement live (“Live in Brazil”, en 2005) qui illustre toute la vitalité et le métissage ensoleillé des musiques louisianaises. Cette même année, Charmaine se retrouvait au centre de l’actualité, dans “l’œil du cyclone” à l’occasion du passage dévastateur de Katrina. Perdue, abandonnée, démunie au milieu des autres réfugiés des quartiers inondés, on a pu la voir, le visage crispé par la colère et l’incompréhension, témoignant en direct à la télévision américaine. La présence de Charmaine Neville, la rescapée, prend ici valeur de symbole. Cinéma : “Make it funky !” Allen Toussaint, Aaron Neville, Big Sam’s Funky Nation, Bonnie Raitt, Keith Richards, The Dirty Dozen Brass Band, Earl Palmer, Funky Meters, George Porter Jr., Irma Thomas, Irvin Mayfield, Jon Cleary, Kermit Ruffins, Lloyd Price, “Big Chief” Monk Boudreaux, Eagle Mardi Gras Indias, Neville Brothers, Snooks Eaglin, le bluesman Walter “Wolfman” Washington... Cette affiche absolument hallucinante se retrouve miraculeusement matérialisée dans le film-document “Make it Funky !”. Un témoignage unique sur la scène de La Nouvelle-Orléans, dans lequel “s’éclate” littéralement le gotha de la scène louisianaise (augmentée de quelques admirateurs de longue date, comme Keith Richards). Le film démontre tout le groove imparable et le bonheur que peuvent apporter les musiques gumbo de Crescent City. Le document fait également prendre conscience de l’énorme influence de cette ville, de sa (ses) musique(s), de ses artistes et de son “esprit” (pur vaudou, pur funk, l’esprit... ) sur le cours de la musique populaire contemporaine.
Joe Zawinul est né à Vienne (non !?...), Autriche, en juillet 1932. Au début des années 50, il joue du piano dans différentes formations de jazz européennes. En 1959, il se présente à un concours international organisé par le magazine Down Beat et obtient une bourse d’études à la Berklee School. Zawinul émigre aux USA et rejoint le groupe du trompettiste Maynard Ferguson (où il rencontre Wayne Shorter, son futur complice). Il accompagne la chanteuse Dinah Washington jusqu’en 1961. On le retrouve bientôt au sein du quintette de Julian Cannonball Adderley dont il est, avec Nat Adderley, le compositeur principal, signant entre 67 et 70 au Fender Rhodes quelques “tubes” soul fameux (“Mercy, Mercy, Mercy”, “Walk Tall”). Dans cette même fin des années soixante, Miles Davis amorce un changement de style. Zawinul (déjà expert des claviers électriques, puis électroniques les plus élaborés du moment) participe dès 1968 à cinq albums décisifs de Miles Davis, dont "In a Silent Way" et "Bitches Brew" dont il compose les deux fameux thème titres. Au tout début des années 1970, Joe fonde avec Wayne Shorter et Miroslav Vitous le groupe Weather Report. Avec les albums “Black Market”, puis “Heavy Weather” (disque d’or en 77), tous deux marqués par l’arrivée du génial bassiste Jaco Pastorius, la musique flamboyante et universelle du groupe séduit un très large public. La belle épopée de Weather Report dure quinze ans, jusqu’en 1985. À Vienne (mais oui, en France...), Joe nous propose cette année une relecture majoritairement acoustique de l’univers électrique du Bulletin Météorologique. Il est entouré pour cela du légendaire WDR Big Band de Cologne, la Rolls des grands orchestres européens. SIXUN fête ses 20 ans en tournée Pour célébrer l’évènement, le groupe phare du “jazz fusion” made in France remet donc le couvert. Sixun, ou la belle histoire de six musiciens, six virtuoses qui n’en font qu’un, si, si... Dans le milieu des années 80, ils ont contribué à réveiller le jazz français. En huit albums, leur son épicé, métissé et coloré a évolué sans heurt, naturellement, au gré des inspirations (plus ou moins) influentes de chacun des co-leaders, du jazz rock pur au jazz flamenco en passant par un afro groove aux limites du funk. C’est tout l’art de la fusion que de trouver les passerelles. Après de longues années d’absence, “Sixun” revient donc. Sur scène tout d’abord (premier concert à La Cigale, à Paris, en octobre dernier), et en image également, puisque les heures chaudes du groupe viennent d’être compilées sur un DVD. On y retrouve les tambours furieux de Paco Sery (fabuleux cogneur ivoirien découvert par Eddy Louiss, proclamé “meilleur batteur du monde” par Wayne Shorter et Joe Zawinul qui ont tâté de son génie rythmique) et l’éclectisme du bassiste martiniquais Michel Alibo (Angélique Kidjo, Karim Ziad ou Mario Canonge). On redécouvre le saxophone du Charentais Alain Debiossat (largement identifié désormais à l’Orchestre National de Barbès), les accents méditerranéens de la guitare du Marseillais Louis Winsberg (qui a fondé le projet Jaléo, entre gitans andalous et volutes orientales), ainsi que les envolées lyriques du pianiste Jean-Pierre Como (Como-la-classe, en solo comme en trio...). Le nouveau petit génie des percussions dégoté par Paco Sery pour ce retour de flamme 2006 s’appelle Stéphane Edouard. Stéphane Huchard Quartet - Talent jazz Adami Contrairement à la rumeur, le Huchard n’est que peu sur le toit, mais souvent sur scène ou en studio. Batteur puissant et compositeur inventif, alternativement leader et sideman, Stéphane Huchard est reconnu par tous pour son immense maîtrise de l’instrument, mais aussi pour son ouverture d’esprit. Ces deux qualités lui permettent d’être à l’aise dans de nombreux contextes musicaux, sur d’innombrables disques et de multiples scènes à travers le monde... Et aussi dans pas mal de fauteuils et canapés ! Il est également connu pour ses canulars téléphoniques et son pot-au-feu grand-mère, même si cela ne concerne qu’une poignée d’intimes. Sa passion avouée pour le cinéma français des années Audiard, Ventura, Blier, traduit un caractère empli d’humour et de tendresse. Ce tonton flingueur de la percussion est donc un personnage. Forcément, cela s’entend dans sa musique. Pour son dernier album (“Bouchabouches”, en 2005), sur lequel le batteur parisien s’est entouré d’Éric Legnini (piano, Fender Rhodes, Wurlitzer), Alexandre Tassel (bugle) et Laurent Vernerey (contrebasse), c’est dans le métro, dans le bruit des rames et le trafic des stations carrelées que ce fils de cheminot est allé puiser “de bouches en bouches” sa matière première et sonore. Douze compositions suburbaines enchaînées par des bruits RATP, virant parfois au funk (ce “Ragga Rapt” dynamisé par le scat d’André Mainvielle), comme autant de portes ouvertes sur un jazz qui avance. Club de Minuit - 23h30 La Verrière - 23h30 NPM, le trompettiste, compositeur, producteur norvégien (et cosmique) se réfère autant au jazz qu’à l’ambient, à la house, à l’electro, au break beat, au rock ou à la pop. Il parvient à mélanger toutes ces couleurs pour en extraire des paysages musicaux d’une rare intensité. Né en 1960 dans les brumes de la petite île norvégienne de Sula, NPM étudie au conservatoire de Trondheim. Il développe rapidement un style de jeu unique, autant inspiré de Jon Hassell que du son des flûtes japonaises ou du chant des baleines à bosse. Passionné de musiques acoustiques (notamment traditionnelles) autant que de sons électriques ou électroniques, Molvaer se joue avec naturel des conventions du jazz moderne. Cette sensibilité peu commune tombe, au milieu des années 90, dans l’oreille réputée de Manfred Eicher, le boss du label ECM. Son premier album solo, “Khmer”, paraît en 1997. Le disque présente un mélange jusqu’alors inconnu d’improvisation et de beats hypnotiques. Il connaît un gros succès critique et commercial (NPM reçoit à cette époque le German Critics Award et un Norwegian Grammy). Pour la première fois de son histoire, ECM commercialise des remixes. Tirés de l’album, les titres de ce “Khmer : the Remixes” mettent à contribution The Herbaliser, Mental Overdrive ou Rockers Hi-Fi. Presque dix ans plus tard, NPM revient une fois encore à Vienne, mais en ascète, pour un solo esthétique. La Production Nationale du Spectacle Vivant de Norvège a en effet invité, voici deux ans, le trompettiste à composer la musique d’un solo. Cette prestation solitaire et onirique, déjà jouée dans les pays Scandinaves durant l’hiver 2004, mêle aujourd’hui musique, lumière et vidéo. www.nilspettermolvaer.
Quel est le point commun entre Dionne Warwick et le groupe post-punk britannique Pil ? Réponse : James Blood Ulmer, qui accompagna l’une et fit la première partie des autres. James Blood Ulmer a publié plus de vingt albums, initiant et incarnant le terme “punk-jazz”, puis le mouvement “black-rock”. Guitariste atypique et génial, sorcier sonique aux phrasés assassins, sales, chanteur envoûtant et compositeur inspiré, JB Ulmer est depuis toujours un musicien hors du commun. Aujourd’hui, sexagénaire coiffé d’un palmier de dreads sauvages, il est toujours ce même franc-tireur. Pour beaucoup, il est une icône. Dans les années 60, il est déjà présent sur de nombreux enregistrements du label Blue Note. Attiré par l’avant-garde, il rencontre Ornette Coleman qui l’initie à ses théories “harmolodiques”. Il développe alors sa propre esthétique pendant deux décennies, mêlant sans fioriture une sorte de free-funk-blues à un jazz barbelé. À l’aube du XXIe siècle paraît l’album “Memphis Blood (the Sun Sessions)”, un pur joyau de blues profond. Plus récent encore, “Birthright” (en 2005) est élu “Album Blues de l’année” par les lecteurs de Downbeat. Pour ce concert exceptionnel du mystérieux Punk Funk All Stars (on remarquera l’allusion au P Funk All Stars de George Clinton), il sera accompagné de son complice Vernon Reid, guitariste et fondateur de feu Living Colour. Né à Londres en 1958, Vernon Reid grandit à New York. Il développe là une technique tous azimuts, entre jazz fusion, rock metal et funk radical. Dès la fin des années 1970, il travaille déjà régulièrement avec le batteur Ronald Shannon Jackson et avec le Defunkt, de Joseph Bowie. En 1984, il fonde Living Colour. Le Punk Funk concocté par ces douze cordes d’acier (six pour Ulmer, six pour Reid) promet son lot de cataclysmes et de groove féroces. Bobby Byrd Depuis les origines de l’extraordinaire épopée du Soul Brother n°1, le chanteur Bobby Byrd (né Bobby Day en 1934) fut le compagnon de route et le plus fidèle lieutenant de James Brown. En 1952, Bobby Byrd fonde The Flames, un groupe de rhythm’n’blues influencé par Hank Ballard & the Midnighters. Son pote James Brown intègre le groupe pour seconder Byrd au chant. Le charisme de Brown (associé à un ego hors du commun !) va rapidement en faire l’attraction principale des Flames. Pour son premier contrat avec le label King Records en 56 (“Please, Please, Please”), la formation de Bobby Byrd est rebaptisée James Brown & the Famous Flames... Bobby encaisse. Il accepte tout, conscient de l’énorme potentiel de son ami James. Il restera ainsi, durant toute la course au succès du “Hardest Working Man in Show Business”, l’une des attractions principales de la rutilante James Brown Revue. Il joue aussi de l’orgue ou donne la réplique au Godfather, de sa voix rauque, sur scène comme sur nombre de classiques (“Say it Loud -I’m Black & I’m Proud-”, “Talkin’Loud & Sayin’ Nothing”, “Soul Power”...). James donne à Bobby Byrd l’occasion d’enregistrer ses propres disques dans la fin des années 60 et le début des 70’s. Certains d’entre eux sont devenus des classiques du soul funk : “We’re In Love”, mais surtout “I Need Help (I can’t do it alone)” et “I Know You Got Soul”. Bobby Byrd quitte les JB’s en 1973. Il poursuit une carrière solo en dents-de-scie. En 1985, le duo de rap Eric B & Rakim ramène "I Know You Got Soul" sur le devant de la scène. Le groupe de funk Full Force rend en 92 un hommage à Byrd sur l’album “Don’t Sleep”. “On The Move” (en 1994) est l’un des derniers opus sous son nom. "Bobby Byrd Got Soul, The Best Of Bobby Byrd", une compilation parue en 1995, résume à merveille la carrière du fidèle lieutenant. Electro Deluxe - Talent Jazz Adami Avec cette brillante formation, qui a déjà sidéré le public présent à La Verrière lors de l’édition 2005 de Jazz à Vienne, l’Hexagone tient là (avec Booster, Wise, Sayag Jazz Machine...) l’une des rares formations electro jazz totalement convaincante. “Notre approche diffère de la plupart des projets electro jazz qui sont généralement initiés par des jazzmen se frottant aux nouvelles technologies. Nos compositions ne sont pas du jazz à proprement parler, mais une fusion entre electro, funk et hip hop” précise Thomas Faure (sax et programmation). La musique hybride de ce quartet formé en 2001 se voit adoubée en 2005 par les participations lumineuses à leur premier album (“Stardown” - Such/Naïve -) de quelques parrains tels Didier Lockwood, Flavio Boltro, Philippe Selam ou l’excellent Guillaume Poncelet (les cuivres de NoJazz). Treize musiciens invités se croisent au total dans cet album luxuriant, empli de tourneries jungle, traversé par un implacable piano Fender Rhodes (Gaël Cadoux) et les loopings cuivrés des solistes. Electro, certes, mais de luxe. Comme du Herbie Hancock cru 95 passé à la moulinette drum’n’bass. Club de Minuit - 23h30 En anglais, on dirait “musician’s musician”. Un musicien rare, une sorte de légende pour ses pairs, et dont les enregistrements parcimonieux s’échangent comme autant de pierres précieuses. On pourrait citer, appartenant aujourd’hui à cette catégorie, les indispensables Dewey Redman, Von Freeman, George Garzone... et Bunky Green. Green sort donc de l’ombre après treize années de silence discographique (son dernier opus remonte à 1993 !), produit par un de ses plus fidèles admirateurs, le saxophoniste Steve Coleman. Pour lui donner la réplique, Coleman a réuni des musiciens à forte personnalité, à la fois dans la tradition et cherchant, eux aussi, d’autres chemins. Jason Moran, Lonnie Plaxico et Nasheet Waits mesurent le privilège d’être ainsi associés au “musician’s musician” du Wisconsin. Né en 1935 à Milwaukee, Bunky Green est d’emblée bouleversé par le langage et l’expression de Charlie Parker. Très vite pourtant, il se forge un langage totalement singulier. Joe Lovano, un autre de ses inconditionnels : “Bunky personnifie ce que représente le Jazz ; il a combiné l’influence de Parker et de Dolphy et les a intégrés dans son propre langage”. En 1960, Bunky Green s’installe à New York et remplace Jackie McLean dans le groupe de Charles Mingus. Dès l’aube des années soixante-dix, il s’investit dans l’éducation et enseigne à Chicago jusqu’en 1989. Il devient ensuite le responsable du “Jazz Studies” de l’université de Jacksonville, en Floride. Partagé entre l’éducation et le développement de sa musique, Green publiera 14 albums sous son nom. La plupart, introuvables, sont aujourd’hui devenus de précieux objets de collection. En donnant à cet extraordinaire musicien les moyens de revenir sous les projecteurs de l’actualité, Steve Coleman fait humblement la lumière sur les racines de sa propre pensée musicale. www.label-bleu.com - www.jasonmoran.com La Verrière - 23h30 Le guitariste Eivind Aarset est considéré comme l’un des représentants les plus originaux et les plus créatifs du jazz dit "underground" en Norvège. Le Scandinave est en fait un enfant du rock. À l’âge de douze ans, il se passionne pour la Stratocaster martienne de Jimi Hendrix. Adolescent, c’est la fusion nouvelle de Miles Davis, celles du Mahavishnu Orchestra ou de Weather Report qu’il prend en pleine tête. Il découvre enfin le son du label ECM et son écurie nordique (Jan Garbarek, Terje Rypdal...). L’univers musical à la fois en apesanteur et comme liquide du guitariste se révèle au monde en 98 avec “Électronique Noire”, son premier opus pour le tout jeune label suèdois Jazzland créé par Bugge Wesseltoft. "L’un des meilleurs albums d’electric-jazz depuis Miles" titre alors le New York Times. La réputation internationale d’Aarset se fait de bouche-à-oreille, "chill out" façon DJ (grâce notamment à quelques formidables remixes de Chilluminati), jusqu’à la parution d’une deuxième suite planante pour guitare cosmique et ordinateurs sous acide, “Light Extracts” (2001). Paru il y a deux ans, le troisième album “Connected” ne laisse plus aucun doute : Aarset est là pour longtemps, pourvu que l’herbe soit bonne. Pour livrer cet album lumineux, Eivind Aarset a dû profiter d’un temps mort dans le calendrier épuisant qui l’emmène depuis des lunes en tournée, “special guest” et guitariste vedette avec Nils Petter Molvær. En trio avec ses fidèles Wetle Holte et Marius Reksjo (du duo Beady Belle), Eivind aime créer ses entrelacs d’un nouveau millenium avec l’oud cyber de son invité favori, Dhafer Youssef. Nils Petter Molvaer (certes chez ECM, mais toujours fourré chez ses copains d’Oslo), Eivind Aarset, Dhafer Youssef... Les 10, 11 et 12 juillet, le label Jazzland fête ses dix ans à La Verrière. Qu’on se le dise !
Ce Allstar qui nous visite est le témoignage, en concert, d’un rassemblement sans précédent, il y a tout juste dix ans. En mars 1996, vingt-cinq des plus brillants musiciens cubains se rencontraient une semaine durant pour une descarga (la jam session à la cubaine) de tous les diables. Toutes générations confondues, cet aréopage cubain enregistrait alors un pur moment de grâce (l’album “A Toda Cuba le Gusta”, sur World Circuit). Le patriarche de ce rassemblement émouvant (le chanteur Pio Leyva) venait de fêter ses 80 ans ; le plus jeune affichait fièrement 13 petits balais ! On y trouve, à l’époque, le regretté Ibrahim Ferrer, feu Rubén Gonzales au piano et Orlando "Cachaito" Lopez à la contrebasse. Son cubain, boléro, mambo, mozambique, le répertoire des Afro cuban All Stars passe de reprises emblématiques en compositions nouvelles. Ce projet est né sous l’impulsion de Juan de Marcos Gonzales, directeur musical et joueur de tres. De Marcos a donc lancé, avant le film "Buena Vista Social Club", le fameux mythe du papy boom Cubain. À l’instar du Buena Vista, avec lequel il partage certains de ses musiciens, l’Afro-Cuban All Stars fait à la fois redécouvrir les vieilles gloires de la musique cubaine et il expose des musiciens en pleine ascension (tel le timbalero Amadito Valdes, acteur de toutes les tournées). La formation, en grande partie renouvelée, crée un jazz afro-cubain contemporain, particulièrement dansant, tel que le démontre son deuxième album, “Distinto Diferente” (paru en 1999 sur World Circuit). Septeto Nacional Ignacio Piñeiro “El sabor de la tradicion” Le Septeto Nacional fait partie des institutions musicales de la grande île Caraïbes. Il fut fondé en 1927 ( !) par Ignacio Pineiro, bassiste et directeur du groupe qui composa notamment “Echale salsita”. Ce titre inspirera Gershwin pour son "Ouverture cubaine". Le Septeto fut le premier orchestre cubain à accorder un rôle primordial à la trompette, l’un des premiers aussi à ne présenter que des compositions originales. Aujourd’hui, après 74 ans de succès, les jeunes ont pris la relève. Mélange de pulsations africaines ancestrales et de rythmes chaloupés (bongos, claves et maracas), de voix mâles harmonisées (ténor et baryton), d’un tres traditionnel et d’une trompette brillante, le Septeto Nacional de Cuba fait tout simplement partie du patrimoine musical cubain. Le groupe s’est toujours démarqué de la concurrence grâce au jeu de basse de Pineiro. Son style est notamment à l’origine de la différence entre le son habanero et le son oriental. En 1933, l’arrivée de Lázaro Herrera à la trompette transforme définitivement le groupe en Septeto. C’est à cette époque que le groupe présente le fameux "Echale salsita", un titre mythique qui annonce le mot "salsa". Après une éclipse de quelques années, le Septeto Nacional réapparaît en 54 sous la direction de l’infatigable Pineiro. Avec lui, ce sont les héritiers de cette tradition orchestrale qui animent aujourd’hui le septet mythique. Club de Minuit - 23h30 C’est au milieu des années 90 que l’on remarque soudain Eric Legnini au sein du bouillonnant quintet de Stefano Di Battista. Ce jeune pianiste développe un style direct et généreux, trempé dans l’âme noire du piano jazz. Legnini possède un phrasé porté vers le chant, la mélodie... L’héritage de ses racines italiennes, sans doute. Malgré une mise en place rythmique digne des grands maîtres du hard bop, il aura fallu dix années avant que le pianiste, sideman à l’agenda saturé, ne se décide enfin à sortir de l’ombre. “Miss Soul”, son premier disque en leader, est l’occasion pour l’Italo Belge (installé à Paris) de multiplier les connexions entre tradition et modernité, entre musique savante et expression populaire, entre jazz et soul. Eric Legnini est né en Belgique, en 1970, dans une famille d’émigrés Italiens. Un père guitariste amateur, une mère cantatrice : le petit Eric est bien sûr au piano dès l’âge de six ans. Il passe son enfance entre Bach et Puccini. Avec la découverte d’un disque d’Erroll Garner dans les années 80, il trouve son langage. Devenu un pilier de la scène jazz de Belgique, Legnini voit sa vie basculer en 1992 lorsqu’il rencontre dans un club bruxellois deux membres de l’ONJ de Laurent Cugny, Flavio Boltro et Stefano Di Battista. Le pianiste de jazz débarque aujourd’hui à Vienne pour exposer son amour de la musique noire, depuis la soul (voir le titre de son album pétillant paru en janvier 2006) jusqu’au hip hop (dont il est par ailleurs un amateur notoire). La Verrière - 23h30 Dhafer Youssef est un joueur d’oud et un chanteur tunisien atypique. Formé à l’école du chant traditionnel, sa musique est d’abord enracinée dans la culture sufi, privilégiant la face poétique de son art. Sa voix d’une hauteur et d’une pureté rares fait résonner un chant profond, extatique. Par la grâce de cette voix surnaturelle, Dhafer Youssef touche l’âme. Puis la musique qu’il construit peu à peu, au fil des années et des albums, s’ouvre sereinement à d’autres cultures. Jusqu’à jeter un véritable pont céleste entre un orient ancestral et un occident technologique, entre modulations arabes et improvisation jazz. Sa voix et son jeu d’oud ont ainsi croisé avec succès les chemins de Mino Cinelu, de Paolo Fresu, Bill Laswell, Nils Pëtter Molvaer, Markus Stochausen, Renaud Garcia-Fons, Nguyen Le, Bugge Wesseltoft ou Jon Hassell. Devenu l’un des fers |
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le 11 juillet 2006 MARCUS MILLER remplace bobby byrd (annulé)
