Gonçalo Almeida, un agitateur européen

- Gonçalo, nous vous avions interviewé il y a sept ans à propos de vos différents projets. Qu’est-ce qui a changé, dans ce laps de temps, dans votre musique ?

Je souhaite toujours élargir et enrichir mon expérience créative en allant au-delà d’un seul genre ou d’un profil musical clairement défini. Ma musique et mon état d’esprit n’ont pas changé, en particulier en ce qui concerne ma recherche constante de nouvelles collaborations et expériences.

Au cours des sept dernières années, bon nombre de mes principaux projets et ensembles ont continué à évoluer et à sortir de nouveaux albums, comme Spinifex, The Selva, The Attic, Tabula Sonorum et Albatre. Parallèlement à ces collaborations à long terme, il y a eu de nombreuses rencontres ponctuelles et de nouveaux projets, notamment Rapid Zen, The Monkious, Hypomaniac, ROJI, Lava Quartet, Hydra Ensemble et une collaboration avec le musicien et artiste français Pierre Bastien.

Parallèlement à ce travail collaboratif, je me suis de plus en plus concentré sur les performances en solo, avec plusieurs concerts et sorties d’albums, tout en développant mon projet States of Restraint avec Susana Santos Silva à la trompette et Gustavo Costa aux percussions, qui rassemble de manière plus concentrée mes idées de composition et ma direction artistique. L’année dernière, lors d’une résidence à Gnration à Braga, nous avons enregistré un nouvel album, pour lequel je recherche actuellement un label potentiel.

Gonçalo Almeida © Gonçalo Almeida

- Vous êtes toujours fidèle à la musique de Rodrigo Amado et The Attic avec qui vous avez enregistré un disque important avec Ève Risser. Pouvez-vous nous parler de cette rencontre ?

Nous avons pensé que pour son quatrième album, The Attic aurait tout à gagner à inviter un artiste. Nous avons commencé à réfléchir à l’ajout d’un piano, et il nous est immédiatement apparu qu’Ève Risser serait la personne idéale. J’avais rencontré Ève quelques années auparavant à Lisbonne, lors du festival Jazz em Agosto, et nous étions restés en contact.

Ève devait retourner à Lisbonne pour ce même festival (Jazz em Agosto) auquel The Attic participait également. Les conditions étaient donc parfaites. J’ai invité Ève à se joindre à nous pour une session en studio, et le courant est tout de suite passé.

- Vous vivez depuis des années à Rotterdam, où la communauté jazz mondiale est très représentée, mais vous restez très connecté à la scène portugaise (Luís Lopes, Marcelo dos Reis, Luís Vicente…). C’est la nostalgie du pays ?

Ce n’est pas vraiment de la nostalgie. C’est plutôt un désir sincère de créer des ponts entre les communautés portugaise et néerlandaise, en favorisant les échanges grâce à des projets basés aux Pays-Bas et au Portugal, et en faisant découvrir à la scène néerlandaise des musiciens et des idées portugais.

il est tout simplement impossible d’ignorer à quel point la scène musicale improvisée portugaise est forte, diversifiée et dynamique.

Pour moi, ce type de circulation est essentiel : il permet à différents contextes de se rencontrer, de se challenger mutuellement et de se développer grâce au dialogue.

En même temps, il est tout simplement impossible d’ignorer à quel point la scène musicale improvisée portugaise est forte, diversifiée et dynamique. Au fil des ans, elle s’est développée pour devenir un écosystème riche et inclusif, animé par des musiciens profondément engagés, ouverts d’esprit et repoussant constamment les limites artistiques et esthétiques. Il existe un fort sentiment de curiosité collective et de soutien mutuel qui continue à générer de nouvelles formes, collaborations et langages.

Rester connecté à ce contexte ne ressemble pas tant à un regard rétrospectif qu’à un engagement actif dans une scène très vivante, qui continue à évoluer, à me surprendre et à m’inspirer, tant sur le plan artistique que personnel.

- Comment s’est fait le choix de s’installer à Rotterdam ? Est-ce un lieu inspirant pour la création ?

Au départ, j’ai déménagé à Rotterdam pour poursuivre mes études musicales, puis, au fil du temps, ma vie personnelle et professionnelle s’est naturellement déroulée de telle manière que j’ai fini par m’y installer. Ce qui n’était au départ qu’une décision temporaire est progressivement devenu un lieu de vie à long terme. Aujourd’hui, c’est la ville où je vis et d’où je pars ; je dis souvent que c’est mon port d’attache.

Rotterdam offre une vie urbaine créative bien équilibrée. Elle est spacieuse sans être écrasante, active sans être oppressante. Il y a de la place pour travailler, réfléchir et collaborer. En même temps, sa position géographique en fait une base idéale, bien connectée et proche des scènes importantes en Allemagne, en Belgique et au-delà. Cette combinaison d’ouverture, de commodité et de connectivité a été essentielle pour soutenir à la fois ma pratique artistique et mon mode de vie.

- Est-ce que la crise du secteur culturel, qu’on observe partout, épargne les grandes villes hollandaises ?

Le paysage culturel néerlandais n’a certainement pas été épargné. Ces dernières années, l’ensemble du milieu culturel aux Pays-Bas a subi d’importantes coupes budgétaires, fortement influencées par la montée d’un programme politique de droite et un discours croissant qui envisage l’art et la culture principalement à travers des modèles économiques. Cette façon de penser pousse inévitablement les institutions et les artistes vers des résultats mesurables, la vente de billets, la visibilité et la commercialisation, souvent au détriment du risque, de l’expérimentation et du développement artistique à long terme.

En conséquence, il y a moins d’espace et de soutien institutionnel pour les pratiques avant-gardistes et expérimentales, qui reposent traditionnellement sur la reconnaissance publique et le financement structurel plutôt que sur le succès commercial immédiat.

Si des villes comme Rotterdam et Amsterdam conservent encore des scènes actives et résilientes, cette vitalité survit en grande partie grâce à l’engagement des artistes et à de petites initiatives, et non parce que les conditions sont devenues plus faciles. Le défi consiste désormais à préserver la diversité, la liberté artistique et la pensée critique dans un climat qui valorise de plus en plus la culture uniquement lorsqu’elle peut se justifier économiquement.

Gonçalo Almeida © Ricardo Almeida

- Récemment, vous avez enregistré un très beau No Straight With Chaser avec The Monkious. Est-ce un travail de déconstruction de la musique de Monk ? Quel est votre rapport avec l’œuvre du pianiste ?

La musique de Monk est intemporelle. Elle possède quelque chose d’unique tout en restant immédiatement reconnaissable. Ses compositions et sa façon de jouer comportent toujours une part d’inattendu, une dimension véritablement « hors des sentiers battus » qui rend sa voix incomparable. Ce n’est pas un hasard si sa musique et la reconnaissance plus large de son travail ont mis du temps à être pleinement acceptées : son langage est non conventionnel, il remet en question les normes établies, tout en reflétant son originalité et sa vision personnelle avec une clarté remarquable.

C’est pourquoi sa musique incarne un esprit rebelle et créatif, qui brise les moules et ouvre de nouvelles possibilités. Cet esprit résonne fortement avec la musique que nous voulons créer. Lorsque nous revisitons Monk avec The Monkious, nous n’essayons pas de recréer sa musique telle qu’elle était, mais plutôt d’engager un dialogue avec elle, de nous inspirer de son audace et de la façon dont il a transformé le jazz en un espace de liberté et d’invention.

- Vous ne nous avez pas donné l’habitude d’explorer la musique de répertoire. Est-ce une direction que vous souhaiteriez prendre ?

Pas nécessairement, du moins pas si l’on parle du répertoire standard. Ma relation avec le jazz a toujours consisté davantage à explorer ses limites, là où l’improvisation idiomatique et non idiomatique commencent à se chevaucher et à s’estomper.

En ce sens, le concept tend à prévaloir sur le contenu : ce qui m’intéresse le plus, c’est le cadre, les questions posées et le contexte dans lequel la musique est créée, plutôt que le répertoire lui-même. Je m’intéresse moins à revisiter les formes établies pour elles-mêmes qu’à les utiliser, lorsque c’est pertinent, comme points de départ dans le cadre d’une idée artistique plus large.

Ainsi, plutôt que de m’orienter vers le répertoire comme une direction définie, je continue à me concentrer sur l’exploration des limites et des tensions, en créant des situations où la structure et la liberté coexistent, et où la musique peut dépasser les catégories clairement reconnaissables.

- On vous a entendu il y a peu dans le Lava Quartet avec Almut Kühne. Pouvez-vous nous parler de cet orchestre ? Aimez-vous travailler avec des vocalistes ?

Lava Quartet a une origine curieuse. J’ai rencontré Almut Kühne pour la première fois en Autriche, au Bezau Beatz Festival, puis nous avons eu la chance de jouer ensemble lors des célèbres Moers Sessions, au Moers Festival en Allemagne. Quelque temps après, alors que je discutais avec mon ami et collègue de longue date, le batteur Wieland Möller, avec qui j’ai étudié à Rotterdam et joué à de nombreuses reprises, nous avons échangé l’idée qu’il pourrait être intéressant de rencontrer et de jouer avec Jordina Millà, une autre ancienne collègue de Rotterdam. À l’époque, elle se consacrait principalement au piano classique, ce qui rendait l’idée encore plus intrigante. Nous avons estimé qu’un trio ne suffirait peut-être pas, et la question s’est posée : qui pourrait être le quatrième élément ? J’ai suggéré Almut, et il s’est avéré qu’elle connaissait déjà Jordina et qu’elles avaient même déjà joué ensemble en duo.
À partir de là, les ponts se sont naturellement créés. Nous avons organisé une petite tournée avec des concerts dans l’est de l’Allemagne et en Pologne, et une sélection de ces morceaux a finalement donné naissance à notre premier album, Eternal Chant.
Quant à la collaboration avec des vocalistes, je la trouve très inspirante. La voix apporte à la musique une dimension physique, une qualité narrative et un sentiment d’immédiateté différents, ce qui oblige souvent les instrumentistes à repenser l’espace, la forme et l’interaction de manière inattendue.

Gonçalo Almeida © Pedro Roque

- Récemment, vous avez enregistré un trio avec Sylvain Darrifourcq et Camila Nebbia. Comment avez-vous abordé la rythmique avec le jeu très novateur du batteur ?

Cet album est véritablement le fruit de l’esprit et de l’essence même de la musique improvisée libre. Hypomaniac est né de la rencontre de trois musiciens jouant ensemble pour la toute première fois, se retrouvant sur scène sans filet de sécurité, sans partition et sans idées préconçues. L’approche de la section rythmique, en particulier en ce qui concerne le jeu très innovant de Sylvain Darrifourcq, ne consistait pas à attribuer des rôles ou des fonctions, mais à être totalement présent et à s’abandonner à l’instant présent. Chacun d’entre nous a apporté sa propre identité et son propre langage, communiquant directement et répondant en temps réel aux impulsions et aux intentions des autres. La musique qui en a résulté est vivante, imprévisible et authentique, quelque chose qui ne pouvait exister qu’à ce moment précis.

Cette rencontre a été organisée et promue par Iannis Koufaelas, du label grec Defkaz Records, et a eu lieu au Defkaz Take 2 Festival à Thessalonique en mars dernier. Ce n’est qu’après coup, en réécoutant l’enregistrement et en mixant l’album, qu’il est apparu clairement, même si cela se sentait déjà pendant le jeu, que la musique n’était pas seulement explosive et viscérale, mais qu’elle contenait également des moments d’une grande délicatesse timbrale et d’une grande richesse texturale. C’est dans ces espaces que naît la possibilité d’explorer consciemment un large éventail de sons, de préparations et de techniques étendues sur les instruments.

Pour moi, c’est précisément ce contraste entre intensité et subtilité qui constitue l’une des caractéristiques fondamentales du son du trio. Dans ces moments-là, nous nous éloignons de la fonctionnalité habituelle et entrons dans des territoires sonores qui transcendent les rôles traditionnels de chaque instrument. La musique cesse d’être une simple exécution de notes et de rythmes pour devenir une interaction vivante et sensible, où chaque geste et chaque résonance contribuent à un son collectif.

Quant à savoir si le trio peut évoluer avec le temps, je pense que c’est tout à fait possible. Grâce à cette première rencontre, un son et un langage communs ont commencé à émerger, qui, selon moi, peuvent définir l’orientation future du trio. Ce sentiment est déjà renforcé par le fait que le trio est en train de réserver une tournée européenne pour le mois de mai prochain, avec des dates prévues en Allemagne, en Autriche, en Hongrie, en Belgique et en Grèce. Continuer à jouer ensemble dans différents contextes permettra à notre musique de s’approfondir et de se transformer davantage.

Gonçalo Almeida © Pedro Roque

- Quels sont les projets à venir ?

Deux nouveaux albums solo sortiront au cours du premier semestre. Le premier, intitulé Ecos do Éter (publié chez OSSO), explore les installations, les processus mécaniques et les enregistrements sur bande magnétique à la contrebasse. Le second, Improvisations on Amplified and Prepared Double Bass, Vol. 02, sortira chez Cylinder Recordings, mon label indépendant. Les performances en solo feront l’objet d’une attention particulière cette année, avec la sortie prévue d’autres enregistrements de musique solo pour contrebasse et platines.
En plus de ces projets solo, un nouvel album est en cours de préparation avec le trio The Selva, où la composante électronique a été amplifiée avec l’ajout du percussionniste Pedro Oliveira. L’album devrait sortir au printemps.
L’année débutera par plusieurs concerts au Portugal avec le trio Rapid Zen (composé de Barbara Togender au chant et aux platines, et Vasco Trilla aux percussions), après la sortie de notre premier album l’année dernière, Fried Brains.
Plus tard en janvier, une nouvelle session en studio est prévue avec le Luís Vicente Trio, afin de poursuivre l’exploration de la musique de Luís tout en ajoutant de nouveaux morceaux au répertoire.
En février, de nouveaux morceaux seront enregistrés avec la violoniste new-yorkaise Jessica Pavone, qui rejoindra le duo Tabula Sonorum (avec Bart van Dongen au piano) lors d’une résidence au POM à Eindhoven. Un nouvel enregistrement avec le trio Trails basé à Amsterdam, mettant en vedette Felicity Provan au cornet et la pianiste Nora Mulder, est en cours de mixage. Il est également prévu de continuer à se produire et à réserver des concerts dans le domaine du bruit et du son fort, notamment avec la formation d’un nouveau trio de free jazz/noise extrême.

En outre, un cycle de films-concerts sera organisé à Rotterdam, consacré aux films muets et à l’improvisation avec le Rotterdam Kinematic Ensemble, un groupe à géométrie variable. Parallèlement à ces projets musicaux, je continuerai à développer mon travail d’artiste visuel, en créant des installations qui combinent des automatismes acoustiques avec des instruments, faisant le lien entre le son, l’espace et l’interaction physique.