Ava Mendoza aux racines du blues

Texte français

Ava Mendoza @ Laurent Orseau

- Comment devient-on guitariste de jazz (et d’ailleurs, comment vous définissez-vous ?) aux USA ?

En ce qui concerne la façon dont je me définis, j’ai toujours eu une sorte de système à double racine, avec un côté jazz et un côté rock, les deux dans le sens le plus ouvert du terme, haha. Si vous remontez dans le temps, il est clair que ces deux genres trouvent leurs racines dans les débuts du blues, entre autres musiques populaires américaines. Pour moi, leur rapprochement est donc tout à fait naturel et je n’ai jamais été capable de séparer les deux. Idéalement, je me considère comme guitariste et je m’en tiens là.

j’ai emprunté les chemins musicaux sur lesquels j’ai commencé alors que j’étais une adolescente naïve, et j’y suis encore très attachée

Pour ce qui est du chemin qui m’a menée là où je suis aujourd’hui, j’ai toujours joué la musique qui me semblait vivante autour de moi, et j’ai toujours fait l’effort de connaître son histoire. Selon l’endroit où je me trouvais, il pouvait s’agir de jazz créatif, de rock créatif ou de musique électronique bruitiste et moderne. Le dialogue avec mon environnement est très important pour moi, que ce soit par le biais de concerts et de tournées ou de la production de disques. Je crois en la nécessité de jouer une musique vivante ayant une pertinence sociale. Par ailleurs, j’aime aussi beaucoup apprendre l’histoire de la musique que je joue et comprendre ses racines les plus lointaines possibles. C’est ce processus qui m’inspire le plus. En général, lorsque les racines sont plus profondes, des branches bizarres poussent également en l’air. Ces choses arrivent en même temps pour moi. Le continuum historique est donc important, et étudier le développement de diverses musiques est une source d’intérêt et d’inspiration sans fin. Et la recherche de choses inconnues, non codifiables et non identifiables à la tradition est tout aussi vitale pour moi.

Je joue de la musique depuis l’âge de cinq ans ; j’ai commencé par le piano classique et la guitare. À l’adolescence, je me suis intéressée à l’art rock, comme Sonic Youth, CAN et Captain Beefheart, et au free jazz des années 60 et 70, comme Ornette Coleman, Cecil Taylor, Sonny Sharrock et Albert Ayler. J’ai commencé à jouer de la guitare électrique. En même temps, j’ai entamé une histoire d’amour avec les premiers blues et la musique, notamment le révérend Gary Davis, Leadbelly, Robert Johnson, Skip James et bien d’autres. Depuis lors, j’ai emprunté les chemins musicaux sur lesquels j’ai commencé alors que j’étais une adolescente naïve, et j’y suis encore très attachée.

Je suis allée au Mills College à Oakland, en Californie, où j’ai étudié sérieusement la musique électronique tout en continuant à travailler la guitare à mes heures perdues. Mes études, ainsi que mon exposition à la scène bruitiste et électronique dynamique de la Bay Area à l’époque, ont développé ma relation au son comme une force puissante en soi. L’attention portée à l’égalisation, à la spatialisation, à la multiplication du signal et aux détails de la fréquence et du timbre est devenue plus importante pour moi. J’ai écouté Schoenberg et Webern et je me suis attaquée à la composition dodécaphonique, élargissant mes connaissances harmoniques en tant qu’autrice et guitariste. Pendant cette période, j’ai travaillé avec des pairs et des musiciens plus âgés de la région, parmi lesquels Jon Raskin et Larry Ochs (ROVA saxophone quartet), Weasel Walter, Lisa Mezzacappa, Damon Smith et Phillip Greenlief.

j’ai joué dans des contextes variés - un squat au Canada en hiver avec de la neige tombant sur mon ampli, de minuscules bars de l’Italie rurale, de grands festivals… J’ai joué devant une seule personne et devant plusieurs milliers

Une fois l’école terminée, j’ai travaillé pour un service de streaming musical, j’ai donné des cours de guitare et j’ai accepté presque toutes les propositions qui m’ont été faites. Je ne recommande pas forcément cette voie à tout le monde ! Mais c’est la façon dont j’ai appris. J’étais satisfaite des connaissances que j’avais acquises en matière de musique électronique à Mills, mais je sentais que j’avais besoin de me développer autant que possible en tant que guitariste active, et j’ai donc accepté presque toutes les nouvelles opportunités musicales. Cela a duré quelques années, si bien qu’à l’âge de 27 ans environ, j’avais joué dans de très nombreux contextes différents, que ce soit pour le plaisir ou pour le travail. Outre les millions de contextes jazz et rock d’avant-garde auxquels on peut s’attendre, j’ai joué/enregistré des groupes de comédie country, des comédies musicales d’Halloween, des représentations de la musique de Morton Feldman, Louis Andriessen, Luciano Berio et John Cage, de la musique de jeux vidéo et des formations d’art conceptuel/bruit de type légende vivante. Sans parler du fait que j’ai joué ma propre musique dans des contextes variés - de l’arrière-cour d’un squat au Canada en hiver avec de la neige tombant sur mon ampli, à de minuscules bars de l’Italie rurale, en passant par de grands festivals de jazz européens. J’ai joué devant une seule personne et devant plusieurs milliers.

Ava Mendoza @ Laurent Orseau

À cette époque (j’ai toujours 27 ans, vers 2010), j’ai décidé que je devais me concentrer sur la musique que j’avais envie d’écouter et qui me permettait la plus grande expression créative. Mais le fait de me lancer très tôt dans tant de contextes différents, dans le genre « marche ou crève », m’a donné quelques outils précieux. Notamment l’adaptabilité rythmique et la capacité d’apprendre rapidement la musique - à l’oreille et à partir de la partition. Ces outils m’ont bien servi depuis, et être capable de faire les deux - lire et apprendre à l’oreille - est incroyablement important pour moi. Tous ces contextes m’ont également permis d’avoir la peau dure et d’identifier clairement mes points forts, mes points faibles et ce que je voulais faire.

Après cela, j’ai commencé à enregistrer mes propres disques, en les finançant comme je le pouvais. En 2009, j’ai enregistré mon premier disque solo, Shadow Stories, un mélange de morceaux originaux et d’interprétations des premiers classiques du blues et de la country (plus d’infos plus loin). À cette époque, j’ai commencé à écrire de la musique pour un power trio qui se situait entre le free jazz et le rock. Ce n’est que quelques années plus tard que j’ai trouvé les bonnes personnes pour jouer cette musique, au sein de la première mouture de Unnatural Ways. Il y avait Dominique Leone (claviers) et Nick Tamburro (batterie). Nous avons fait une tournée aux États-Unis, sommes allés en Europe pendant deux semaines, et avons enregistré le premier disque éponyme Unnatural Ways, sorti sur New Atlantis.

En 2013, j’ai déménagé d’Oakland à Brooklyn, où je vis maintenant. J’ai reformé Unnatural Ways avec Tim Dahl - basse et Sam Ospovat - batterie. Nous avons fait une tournée en Europe et aux États-Unis chaque année de 2014 à 2018, et avons sorti deux disques, We Aliens (2015) et The Paranoia Party (2019). We Aliens est instrumental, et pour The Paranoia Party, je chante sur chaque titre, mettant en avant deux facettes différentes du groupe.

Ava Mendoza © Christophe Charpenel

Au cours des années 2019 et 2020, j’ai mis en place un nouveau répertoire en solo. J’ai écrit mes propres morceaux, et j’ai demandé à trois amis d’écrire pour moi ; Trevor Dunn, Devin Hoff et John Dikeman. Ces œuvres ont été présentées pour la première fois en mars 2019 dans le cadre de la Stone’s Commissioning Series.
Au cours de mon séjour à Brooklyn, j’ai également participé à de nombreux projets en tant que sidewoman, notamment Snark Horse de Matt Mitchell/Kate Gentile, Unruly Quintet de James Brandon Lewis, un disque de William Hooker Trio intitulé Remembering, un disque de Moppa Elliott, un disque de Sean Noonan avec Malcolm Mooney (CAN) et Jamaaladeen Tacuma (Ornette’s Prime Time), et le disque Seven Storey Mountain VI de Nate Wooley.

Pendant le confinement, comme pour beaucoup de musiciens, apprendre à m’enregistrer à la maison a été pour moi une source d’équilibre mental et une lueur d’espoir. Je l’avais déjà fait auparavant, mais jamais à mon entière satisfaction. Il m’a fallu du temps et de la patience pour parvenir à le faire correctement, et plusieurs enregistrements sur commande m’ont aidé à trouver la bonne voie. Au printemps 2021, avec mes nouvelles compétences en matière d’enregistrement à domicile, j’ai entrepris d’enregistrer la musique pour guitare solo que j’avais mis plusieurs années à développer. Sorti en novembre 2021, New Spells est le fruit de ce travail.

- Dans votre jeu, il y a une forte influence du blues, très perceptible dans le phrasé et l’attaque. D’où vient cette relation évidente avec les « notes bleues » ?

Pour moi, cette relation est inévitable, car le blues et le gospel sont une colonne vertébrale qui traverse presque toutes les musiques des États-Unis. Je suis même perplexe devant le nombre de musiciens américains qui n’ont pas cette présence du blues dans leur jeu - cela me semble incongru. En grandissant, j’ai toujours aimé les aspects bluesy du rock, avant même de savoir ce qu’était le blues - de Jimi Hendrix bien sûr, au punk rock comme X et The Cramps, Richard Hell et The Voidoids. Il y a des éléments de blues électrique et de blues primitif qui traversent toute cette musique. Ainsi, à la fin de mon adolescence, lorsque j’ai commencé à m’intéresser au blues et à écouter Buddy Guy et John Lee Hooker, ainsi que des groupes plus anciens comme Robert Johnson et Skip James, j’ai eu l’impression de découvrir une nouvelle couche fondamentale de la musique américaine qui sous-tendait tout ce qui a suivi. C’était ce sentiment de comprendre les origines et l’histoire de toute la musique populaire que j’aimais, et de vouloir aller de plus en plus loin et d’en savoir plus sur la musique, la mythologie et la religion qui la sous-tendent.

J’éprouve beaucoup de gratitude envers le blues, une belle forme d’expression développée par des gens qui ont vécu dans des circonstances bien plus difficiles que les miennes

Je pense que le blues est sans conteste l’une des musiques les plus expressives qui soient. C’est une façon musicale de transmettre des choses qui ne pouvaient pas être transmises dans la vie de tous les jours en raison du niveau omniprésent d’oppression et de contrôle, parce qu’il était trop dangereux ou complexe d’essayer d’en parler. Manifestement, je ne suis pas Noire et je ne suis pas issue de cette tradition culturelle. Mais la musique a toujours été ma thérapie, et je dirais que le blues, par le biais d’enregistrements, en apprenant l’histoire de la musique et en trouvant des gens avec qui jouer, m’a offert l’une des meilleures et des plus puissantes thérapies et l’un des plus intenses exutoires disponibles. Ma famille a beaucoup déménagé pendant mon enfance, j’ai donc dû faire face au statut de nouvelle arrivante et à l’isolement qui en découle. Mon père était un immigrant bolivien et le racisme dont il était victime était palpable. Et la dynamique familiale n’était pas toujours très harmonieuse. J’éprouve donc beaucoup de gratitude envers la musique blues, car elle offre une belle forme d’expression développée par des gens qui ont vécu dans des circonstances bien plus difficiles que les miennes. J’y ai toujours adhéré, et cela a été un profond enseignement.

- Dix ans se sont écoulés entre vos deux solos et, même si votre style a évolué tout en gardant son identité, le répertoire est passé du blues quasi traditionnel à une approche rock de compositions écrites par vous et d’autres improvisateurs. Comment analysez-vous cette évolution avec le recul ?

À l’époque où j’ai enregistré Shadow Stories (mon premier disque solo), je jouais également dans des groupes de rock no wave et des groupes de free jazz. Mais je ne savais pas comment jouer ces choses ensemble de manière fluide, comment les dé-séparer. Donc oui, c’est un peu plus une approche traditionnelle du blues fingerstyle.

Au fil des années, je pense que j’ai commencé à mieux comprendre les liens entre les différentes musiques que je jouais, à la fois sur le plan technique et musical, mais aussi en termes d’histoire sociale. Et en jouant plus longtemps, j’ai trouvé des moyens d’écrire et d’interpréter ma musique solo là où elle devenait plus floue ou post-genre.
Ainsi, sur New Spells, j’utilise davantage un ton rock ou blues électrique, dans le sens où il y a de l’overdrive et du feedback sur presque tout l’album. C’est parce que les possibilités timbrales que j’obtiens grâce au feedback sont très importantes pour moi. Ce que j’ai appris au cours des dix années qui ont séparé les disques, c’est que l’on peut appliquer ce timbre à n’importe quoi. Les compositions de Devin, Trevor et John sont toutes dans leur propre univers et, dans certains cas, plus proches de la musique classique contemporaine que de toute autre chose. Mais je peux appliquer à cette musique mon timbre et ma sensation, qui viennent du rock’n’roll et du blues, avec ses possibilités harmoniques et de feedback.

Ava Mendoza © Christophe Charpenel

- Dans ce solo de New Spells, on vous entend à nu et on peut donc percevoir toutes les nuances de votre technique, de votre jeu et entendre les couleurs très personnelles de votre son. Comment obtenez-vous ce son rond et légèrement saturé, avec cette traînée sonore qui forme un halo ?

J’utilise une Fender Jazzmaster sur tout ce qui est sur ce disque. [1] Et je porte des faux ongles en acrylique assez lourds, haha ! C’est la façon dont je touche l’instrument qui me permet d’obtenir un son rond - grâce aux médiators lourds et aux ongles, j’obtiens un son dense dans les médiums graves, sans beaucoup d’aigus. Et quand je le veux, je peux obtenir une attaque forte.
Ce disque a été très libérateur dans un sens, car j’ai pu enregistrer chez moi et prendre mon temps, sans dépenser d’argent dans un studio, sans me précipiter, et en expérimentant différentes approches et différents sons, etc. Et ensuite, une fois satisfaite, j’ai pu emmener l’audio dans un studio avec de bons amplis et m’amuser à régler les sons. Obtenir une configuration d’enregistrement à domicile dont je sois satisfaite au cours des deux dernières années a été inestimable.
Cette année, j’ai commencé à utiliser un seul ampli guitare et un seul ampli basse. De cette façon, j’obtiens beaucoup de basses et cela ajoute une autre dimension à tout, depuis les basses des trucs de contrepoint en fingerstyle que je fais, jusqu’à la puissance pure des basses sur les trucs plus sonores.

- Quelle est votre relation avec la voix chantée, le texte et les chansons ? Le chant est-il une nouvelle direction dans votre musique ?

J’adore travailler avec des textes et avec des chanteurs, c’est l’une de mes choses préférées. Travailler avec Malcolm Mooney a été vraiment génial. J’adore sa voix et j’admire sa façon d’écrire les paroles. Nous travaillons actuellement sur un disque, juste guitare et voix, qui sortira plus tard.

Je n’ai pas l’occasion de travailler avec des chanteurs aussi souvent que je le voudrais, étant en quelque sorte dans la scène instrumentale jazz-bruit-impro-free-rock dans laquelle je me trouve… haha !
Mais j’essaie vraiment de m’y consacrer davantage parce que c’est une source d’inspiration pour moi. Je suis une passionnée des mots et je viens d’une famille de passionnés des mots - mon père était interprète et ma mère était éditrice de livres d’anglais seconde langue. L’association de la langue et de la musique me convient donc à bien des égards.

j’écrivais des paroles tout le temps et j’ai finalement pensé « il faut quelqu’un pour les chanter, et il semblerait que ce soit moi »

En ce qui concerne mon propre chant, le premier disque sur lequel j’ai chanté était le premier disque de Unnatural Ways sorti en 2015. Je pense que j’ai commencé à travailler sur le chant en 2013. J’ai chanté sur plusieurs autres disques - un split LP solo avec Richard Bishop appelé Ivory Tower et le dernier disque de Unnatural Ways The Paranoia Party. Cela fait donc une dizaine d’années.
J’aime ça et j’y travaille beaucoup, mais je me considère toujours comme une guitariste qui se retrouve à chanter, plutôt que comme une chanteuse à part entière. J’ai commencé à chanter parce que j’écrivais des paroles tout le temps et j’ai finalement pensé « il faut quelqu’un pour les chanter, et il semblerait que ce soit moi ». Donc c’est clairement une orientation dans ma musique, et ça continuera à l’être.

- En 2020, vous avez enregistré Mayan Space Station avec William Parker et Gerald Cleaver, une configuration qui rappelle Farmers by Nature avec Craig Taborn au piano. Comment s’est faite cette rencontre et comment avez-vous trouvé votre place dans un triangle dont les deux autres côtés sont si solides et établis ?

J’ai rencontré William Parker alors que je jouais dans un grand ensemble de William Hooker. Nous nous sommes liés musicalement et avons parlé de jouer davantage. Il m’a demandé de jouer avec lui au Stone environ un an plus tard, dans un groupe avec Cooper-Moore au banjo et Kevin Murray à la batterie. Peu après, il a monté le trio avec Gerald et moi. Nous avons joué deux soirs de suite à Happy Lucky No. 1 (une antenne du Stone à Brooklyn à l’époque) en septembre 2019. Puis, en février 2020, juste avant que la Covid ne frappe et que NY ne soit verrouillée, j’ai participé à la session d’enregistrement entièrement improvisée qui a donné naissance à Mayan Space Station.

Ava Mendoza © Christophe Charpenel

J’ai trouvé ma place dans ce groupe assez naturellement, heureusement. William et Gerald sont solides et bien établis parce qu’ils sont très à l’écoute et que leur approche du rythme est très souple, mais enjouée. Il est facile de s’entendre avec eux, et la façon dont j’entends l’harmonie et le jeu rythmique libre cadre bien avec leur approche. Nous ne jouons pas de compositions, tout est libre. Dans un trio où je suis (traditionnellement) l’instrument mélodique et harmonique et où une grande partie de la musique est basée sur le groove, cela me pousse à trouver de grandes idées. Faire durer une séquence d’accords pendant un long moment, prendre mon temps pour développer une partie soliste, m’attarder sur un bourdon lent et texturé pendant qu’ils font leur truc. Je me régule. Et bien sûr, il y a aussi des moments de grande énergie cathartique. Mais oui, jouer avec eux m’a vraiment aidé à travailler sur mon rythme, sur le caractère dense ou aérien, énergique ou statique, rapide ou lent de mon jeu, et sur le temps que je veux passer sur chaque idée.

Je dois dire aussi que William a un instinct fantastique pour monter un groupe. Il a une façon de voir quel est le profil d’un musicien. D’après mon expérience, il ne donne pas beaucoup, ou pas du tout, d’instructions en tant que chef d’orchestre, mais il sait comment combiner les bonnes personnes pour qu’elles fassent leur travail et qu’il ne soit pas nécessaire de donner des instructions.

- Quels sont vos principaux projets actuels ou futurs ?

J’ai terminé un nouveau disque en quartet qui sortira plus tard dans l’année. Il est codirigé par le bassiste Devin Hoff (Good for Cows, Nels Cline Singers) et moi-même avec James Brandon Lewis (sax ténor) et Ches Smith (batterie). On y retrouve l’écriture de Devin et la mienne et on s’inspire beaucoup de la musique de Ronald Shannon Jackson et de The Decoding Society, mais à notre manière. Notre idée 2022 d’improvisation libre harmolodique et rythmique.
Je travaille sur un nouveau disque solo guitare/voix, qui devrait sortir dans la première moitié de 2023.
J’ai une collaboration en duo avec Malcolm Mooney, comme mentionné ci-dessus, et nous allons sortir un 7" cette année. Je joue également dans son groupe, Malcolm Mooney and the 11th Planet, avec Alex Marcelo (claviers), Peter Conheim (Negativland) et Steve Shelley (Sonic Youth) (batterie).
Et j’ai un projet de duo avec la violoniste gabby fluke-mogul. Nous interprétons notre propre version de morceaux de blues, quelques morceaux d’Ornette et des originaux. Nous allons enregistrer à l’automne pour une sortie l’année prochaine.
Enfin j’ai un groupe qui collabore avec Abiodun Oyewole, l’un des artistes de spoken word du groupe The Last Poets. C’est un auteur et un interprète très puissant. Nous n’avons joué ensemble que quelques fois, mais nous avons hâte d’en faire plus et d’enregistrer un disque cette année. Il y a Abiodun- spoken word, moi, Devin Brahja Waldman - sax ténor, Alex Marcelo - clavier, Luke Stewart - basse et Ches Smith - batterie.

English text

Ava Mendoza @ Laurent Orseau

- How does one become a jazz guitarist (and by the way, how do you define yourself ?) in the USA ?

In terms of how I define myself, I have always had a sort of twin root system, one side in jazz and one in rock, both in the most open sense of the words haha. If you go back thru the decades, it’s clear that both these genres have their roots in early blues music, among other American folk musics. So to me their connection is really natural, and I’ve never been able to separate the two. Ideally I like to call myself a guitarist and just leave it at that.

Essentially, I have followed the musical paths I started on as a naive adolescent since then, and I am still very much on them.

So in terms of the path that led me to where I am today, I’ve always played the music that felt alive around me, and I’ve also always made an effort to know its history. Depending on where I was, that was creative jazz, creative rock, or noise and modern electronic music. Dialogue with my environment is very important to me, whether that means gigging and touring, or putting out records. I believe in playing living music that has social relevance. But, I also really love learning the history of the music I’m playing, and understanding its roots as far back as possible. The process of these together is what’s most inspiring for me— usually as I grow deeper roots, I also grow bizarre branches up into outer space. These things happen at the same time for me. So historical continuum is important, and studying various musics’ development is a neverending source of interest and inspiration. And reaching for things unknown, uncodifiable, and unidentifiable with tradition is of equal vitality to me.

I have played music since the age of five, beginning with classical piano and guitar. As a teenager I became interested in art rock such as Sonic Youth, CAN and Captain Beefheart, and ‘60s and ’70s free jazz such as Ornette Coleman, Cecil Taylor, Sonny Sharrock and Albert Ayler. I began playing electric guitar. At the same time, I started a love affair with early blues and music, including Rev. Gary Davis, Leadbelly, Robert Johnson, Skip James and more. Essentially, I have followed the musical paths I started on as a naive adolescent since then, and I am still very much on them.

I went to Mills College in Oakland, CA, where I formally studied electronic music and continued to work on guitar on my own time. My studies, as well as exposure to the vibrant noise and electronic music scene in the Bay at the time, developed my relationship to sound as a powerful force of its own. Attention to equalization, spatialization, signal multiplication, and details of frequency and timbre became more important to me. I listened to Schoenberg and Webern and grappled with twelve-tone composition, expanding my harmonic knowledge as both a writer and guitarist. During this time I iimprovised with peers and older players in the area, among them Jon Raskin and Larry Ochs (ROVA saxophone quartet), Weasel Walter, Lisa Mezzacappa, Damon Smith, and Phillip Greenlief.

I played in varied settings— from a squat in Canada in winter with snow coming down on my amp, to tiny bars in rural Italy, to major European jazz festivals. I had played to audiences of 1, and to audiences of several thousand.

Once out of school I worked at a music streaming service, taught guitar lessons, and said yes to almost every other gig offered me. I don’t necessarily recommend this path to anyone ! But it’s the way that I learned. I was happy with the knowledge I’d gained as far as electronic music at Mills, but I felt I needed to grow as much as possible as a working guitarist, and so I took on almost any new musical opportunity. This continued for a few years, so that by the time I was 27 or so I had played in many, many different settings either for hire or fun. Besides the million avant jazz and rock settings you would expect, I gigged with/recorded comedy country bands, Halloween musicals, performances of Morton Feldman, Louis Andriessen, Luciano Berio and John Cage’s music, video game music, and living legend-type noise/conceptual art bands. This is not to mention playing my own music in varied settings— from the backyard of a squat in Canada in winter with snow coming down on my amp, to tiny bars in rural Italy, to major European jazz festivals. I had played to audiences of 1, and to audiences of several thousand.

Ava Mendoza @ Laurent Orseau

Around this time (still age 27, around 2010) I decided I needed to narrow my focus, and stick to music that a) I wanted to listen to and b) allowed me the greatest amount of creative expression. However, throwing myself into so many different contexts “sink-or-swim” style early on gave me some valuable tools. These included rhythmic adaptability and the ability to learn music quickly— both by ear, and from notation. Those tools have served me well ever since, and being able to do both—read and learn by ear— is incredibly important to me. All these contexts early on also gave me a thick skin, and clarity around my strengths, weaknesses, and what I wanted to do.

After that I just started making my own records, funding them however I could. In 2009 I recorded my first solo record, Shadow Stories, a mix of originals and interpretations of early blues and country classics (more info later on). Around this time I started writing music for a power trio that rode the line between free jazz and rock. It wasn’t until a few years later that I would find the right people to play that music with, in the first incarnation of Unnatural Ways. These were Dominique Leone (keys) and Nick Tamburro (drums). We toured the U.S., went to Europe for two weeks, and recorded the first self- titled Unnatural Ways record, released on New Atlantis.

In 2013 I moved from Oakland to Brooklyn, where I live now. I reformed Unnatural Ways with Tim Dahl- bass and Sam Ospovat- drums. We toured in Europe and the U.S. every year 2014-2018, and released two records, We Aliens (2015) and The Paranoia Party (2019). We Aliens is instrumental, and The Paranoia Party features my vocals on every song, showcasing two different sides of the band.

Ava Mendoza © Christophe Charpenel

Over the course of 2019 and 2020, I developed new solo music. I wrote pieces of my own, and commissioned three friends to write for me. These were Trevor Dunn, Devin Hoff, and John Dikeman. These works were premiered in March 2019 at the Stone’s commissioning series.

Over the course of my time in Brooklyn, I also played in many projects as a sidewoman, including Matt Mitchell/Kate Gentile’s Snark Horse, James Brandon Lewis’ Unruly Quintet, a William Hooker Trio record called Remembering, a Moppa Elliott record, a Sean Noonan record featuring Malcolm Mooney (CAN) and Jamaaladeen Tacuma (Ornette’s Prime Time), and Nate Wooley’s record Seven Storey Mountain VI.

During lockdown, like many musicians, one source of sanity and a silver lining was learning to record myself from home. I had done this before, but never to my satisfaction. Getting that set up properly took time and patience, and was helped along by various for-hire recording gigs that gave me an impetus. In spring 2021, with my newfound home recording skills, I set out to record the solo guitar music I had spent several years developing. Released in November 2021, New Spells is the fruit of that work.
 
- Your playing displays a high blues influence that is evident in both your phrasing and your approach. Where does this obvious relationship with the « blue notes » come from ?

To me the relationship is unavoidable, because blues and gospel are a backbone that runs thru almost every kind of music from the U.S. I’m actually perplexed by how many American musicians do NOT have a presence of blues in their playing— it seems incongruous to me. Growing up I always loved the bluesy aspects of rock, before I really knew what blues was— from Jimi Hendrix of course, to punk rock like X and the Cramps and the Richard Hell and the Voidoids. There are elements of electric and early blues running thru all that music. So in my late teens when I started to actually get into blues and listen to Buddy Guy and John Lee Hooker, and older stuff like Robert Johnson and Skip James, I felt like I was discovering a new deep layer in American music underpinning everything that came later. It was this feeling of understanding the origins and the history of all popular the music that I liked, and wanting to get deeper and deeper into that and know more about the music and the mythology and religion behind it.

I feel a lot of gratitude to blues music, because it offered a beautiful form of expression developed by people who lived in much harder circumstances than my own

I think that hands down, blues is some of the most expressively powerful music that exists. And of course that’s because of where it comes from… field hollers and prison songs, slavery and near-slavery, sharecropping, Jim Crow etc.— it’s a musical way to convey things that couldn’t be conveyed in everyday life because of a pervasive level of oppression and control, because it was too dangerous or complex to try to speak about them. Clearly I’m not black and I don’t come from the culture originally. But music has always been my therapy, and I would say that blues, via recordings and learning the history of the music and finding people to play with, has offered one of the best and most powerful therapies and intense outlets available. My family moved around a lot as I grew up, so I dealt with being a newcomer and the isolation that comes with that. My dad was a Bolivian immigrant and there was a level of racism extended to him that was palpable. And the family dynamic wasn’t necessarily exactly harmonious all the time. So I feel a lot of gratitude to blues music, because it offered a beautiful form of expression developed by people who lived in much harder circumstances than my own. I always related to it, and it’s been a profound teacher.

- Between your two solo performances, ten years have passed. The repertoire has changed from practically traditional blues to a rock approach, composed by you and other improvisers, even if your style has grown while maintaining its character. How do you look back at this evolution ? ?

I have always played rock, free jazz and blues, and I always felt they weren’t separate. However I think it took me that extra decade to learn to integrate them a bit better. At the time I recorded Shadow Stories (my first solo record), I was also playing in no wave-y rock bands and free jazz groups at the time. But I didn’t know how to play these things together in a fluid way, how to un-separate them. So yes it’s a bit more of a traditional fingerstyle blues approach.

Over the years from I think I just started to understand the links between the different musics I played better, both on a technical musical level and also in terms of social history. And from playing longer I found ways to write and interpret solo music where it became more blurred or post-genre. So on New Spells I’m using more of a rock or electric blues tone in the sense that’s there’s overdrive and feedback on almost second of the album. That’s because the timbral possibilities I get from feedback are so important to me. What I learned over the 10 years between records was that you can apply that timbre to anything. The compositions on the record by Devin, Trevor and John are all kind of in their own worlds, and in some cases closer to contemporary classical music than anything else. But I can apply my tone and feel, coming from rock n roll and blues and with its harmonic and feedback possibilities, to that music.
 

Ava Mendoza © Christophe Charpenel

- In this New Spells solo, we hear you bared and can therefore perceive all the nuances of your technique, of your playing and hear your very personal sound colors. How do you get that round and slightly saturated sound, with that trailing sound that forms a halo ?
 
I use a Fender Jazzmaster on everything on that record. [2] And I wear kind of heavy acrylic fake nails, haha ! How I touch the instrument is how I get the round tone— because of the heavy picks and nails, I get a low-mids heavy tone without a lot of highs. And when I want to, I can get a strong attack.

This record was very liberating in a way because I could record at home and take my time, not spending any money in a studio and not rushing, and experimenting with different approaches and sounds etc. And then when I was happy with that, I could take the audio into a studio with good amps and really have fun dialing in their tones. Getting together a home recording setup I’m happy with over the last couple years has been invaluable.

This year I started using one guitar amp and one bass rig. That way I get loads of low end and that adds another dimension to everything, from the low end of the fingerstyle counterpoint stuff I do, to sheer bass power on the more sonic/soundscape things.

- What is your relationship with the singing voice, the text and the songs ? Is the singing a new direction in your music ?

I love working with lyrics and with singers, it’s one of my favorite things. Working with Malcolm Mooney has been really great. I love his voice and admire his way with lyrics. We’re currently working on a 7” record together, just guitar and voice, to be released later this year or early next. I don’t get to work with singers as often as I’d like, being sort of in the instrumental jazz-noise-improv-free rock scene that I’m in haha. But I’m really trying to pursue it more because it’s so inspiring for me. I’m a word nerd and I come from a family of word nerds— my dad was an interpreter and my mom was an editor of English as a Second Language books. So it suits me on many levels to combine language and music.

I was writing lyrics all the time, and I finally thought “someone needs to sing these and I apparently it has to be me.”

In terms of my own singing, the first record I sang on was the first Unnatural Ways record, which was self-titled and released in 2015. I think I started working on singing in 2013. I’ve sung on several other records— a solo split LP with Richard Bishop called Ivory Tower, and the latest Unnatural Ways record, The Paranoia Party. So it’s a been about a decade. I love it and work on it a lot, but I still consider myself a guitar player who happens to sing, rather than a dedicated singer. I started singing because I was writing lyrics all the time, and I finally thought “someone needs to sing these, and I apparently it has to be me.”
So it’s definitely been a direction in my music, and will continue to be.

- In 2020, you recorded Mayan Space Station with William Parker and Gerald Cleaver, a configuration that reminds Farmers by Nature with Craig Taborn on piano. How did this encounter come about and how did you find your place in a triangle whose other two sides are so solid and established ?

I met William Parker when I was playing in a large ensemble of William Hooker’s. We connected musically there, and talked about playing more. He asked me to play at the Stone with him about a year later, in a group with Cooper-Moore on banjo and Kevin Murray on drums. Soon after, he put together the trio with me and Gerald. We played two nights back to back at Happy Lucky No. 1 (the Stone’s outpost in Brooklyn at the time) in September 2019. Then in February 2020, just before Covid hit and NY went into lockdown, we played a very special all improvised recording session. That gave result to William’s Mayan Space Station.

Ava Mendoza © Christophe Charpenel

Finding my place in that band fortunately felt pretty natural. William and Gerald are solid and well-established because they’re such great listeners and their approach to rhythm is so flexible-but-grooving. They make it easy to gel with them, and the way that I hear harmony and free rhythmic playing made sense with their approach. We don’t play compositions, it’s all free. In a trio setting where I’m the (traditionally speaking) chord/melody instrument and a lot of the music is groove-based, it pushes me to come up with long ideas. Riding out a chord sequence for a long time, taking my time developing a soloistic part, hanging out on a slow, textural drone for a while as they do their thing. Pacing myself. And of course there’s moments of spazzy, cathartic high energy too !. But yeah playing with them has really helped me work on my pacing, how dense or sparse or high energy or static or fast or slow my playing is, and how long I want to spend on each idea.

I should say too that William has fantastic instincts for how to put a band together. He has a way of seeing what a player is about. In my experience he doesn’t give much, or really any, instruction as a bandleader, but he knows how to combine the right people so that they just do their thing and giving directions isn’t necessary.

- What are your main current or future projects ?

I have a new quartet record finished that will be coming out later this year. It’s co-led by myself and bassist Devin Hoff (Good for Cows, Nels Cline Singers). It’s me, James Brandon Lewis- tenor sax, Devin- bass guitar, and Ches Smith- drums. It features both Devin’s and my writing and is in a lot of ways coming out of the music of Ronald Shannon Jackson and The Decoding Society, done in our own way. Our 2022 idea of harmolodic, rhythmic free improvisation.

I’m working on a new solo guitar/voice record, and that should be out in the first half of 2023.

I have a duo collaboration with Malcolm Mooney, as mentioned above, and we’ll release a 7” later this year. I also play in his band, Malcolm Mooney and the 11th Planet, with Alex Marcelo- keys, Peter Conheim (Negativland), and Steve Shelley (Sonic Youth)- drums.

And I have a duo project with violinist gabby fluke-mogul. We do our own take on blues tunes, a couple Ornette tunes, and originals. We’ll be recording in the fall and should have a record out next year.

I have a band that is collaborating with Abiodun Oyewole, one of the spoken word artists from the band the Last Poets. He’s a really powerful writer and performer. We’ve only played together a couple times, but are looking forward to doing more and to making a record later this year. That’s Abiodun- spoken word, me, Devin Brahja Waldman- tenor sax, Alex Marcelo- keys, Luke Stewart- bass, Ches Smith-drums.