Gerry Hemingway, le polymathe insatiable

Gerry Hemingway © Pieter Fannes

- Gerry, vous sortez un nouvel album de BassDrumBone sur Auricle Records, un trio collectif qui existe depuis 47 ans avec ses coéquipiers Mark Helias et Ray Anderson. Comment faites-vous pour tenir aussi longtemps ?

Nous sommes une sorte de famille élargie, avec des amitiés approfondies au fil du temps. Chaque fois que nous nous réunissons, nous apportons de nouvelles pièces adaptées. En travaillant sur la musique de l’autre, nous trouvons de nouvelles voies. Je reconnais qu’il n’a pas été toujours facile de préserver cette continuité avec trois personnalités indépendantes et fortes, mais ce sont souvent les rires qui nous permettent de tenir le coup. Nous avons traversé beaucoup d’épreuves ensemble, nous soutenant mutuellement. C’est souvent moi qui ai fait en sorte de maintenir en vie ce trio et c’est logique puisque c’est moi qui ai eu l’idée de nous réunir ! [1]. Musicalement et artistiquement, nous avons toujours fonctionné comme un collectif.

- Votre dialogue avec Mark Helias a-t-il changé en quarante ans ?

Il a évolué vers quelque chose de plus nuancé. Nous avons eu une connexion immédiate lorsque nous nous sommes rencontrés en 1974. Nous avons tous deux bénéficié d’une vie très riche en interactions avec de nombreux grands maîtres des traditions musicales que nous avons rencontrées. Chaque fois que nous nous retrouvons, il y a une nouvelle énergie dans la substance qui joue un rôle dans l’orientation que nous pouvons donner à notre musique. Mark Helias et moi nous retrouvons parfois dans d’autres projets, comme le quartet Recoder de François Houle, où nous avons l’occasion d’explorer d’autres dimensions et peut-être d’offrir notre vision de nos rôles entremêlés de basse et de batterie.

- Plus tôt cette année, nous vous avons également entendu avec un autre trio de longue date, Brew, avec Miya Masaoka et Reggie Workman. Quelle est l’importance de cette fidélité à long terme ?

J’ai commencé à travailler avec Reggie Workman dans son ensemble à la fin des années 80. Je l’ai rencontré par l’intermédiaire de Marilyn Crispell, avec qui je jouais souvent, à la fois dans le Anthony Braxton Quartet et dans diverses configurations en trio, dont l’une avec Reggie Workman [2]. J’ai de très bons souvenirs d’un quintet de Reggie Workman avec Oliver Lake, Jeanne Lee, Marilyn, Reggie et moi.

Brew est né d’un duo que Reggie formait avec Miya Masaoka et qu’ils ont décidé d’élargir en m’invitant à participer à leur dialogue. Récemment, j’ai mis en ligne l’une des toutes premières performances du trio à la Knitting Factory ici. À l’automne 2019, j’ai décidé d’enregistrer le trio en studio, ce qui a donné le CD Between Reflections, que j’ai couplé avec les enregistrements réalisés 20 ans plus tôt (« Heat ») pour produire ce double CD sur Clean Feed. Au début de l’année, nous nous sommes retrouvés à New York pour un concert et le groupe était en grande forme.

Marilyn Crispell & Gerry Hemingway

- Un autre groupe qui a longtemps été un symbole de votre carrière musicale est le quartet d’Anthony Braxton avec Marylin Crispell et Mark Dresser. Vous avez enregistré un album sans Braxton mais avec ses partitions en 2012. Un retour est-il encore possible, comme BassDrumBone ?

BassDrumBone est plus ou moins en cours, il se passe quelque chose presque chaque année. Le trio Plays Braxton avec Marilyn et Mark s’est récemment reformé à l’été 2023, après une longue interruption, pour trois concerts. La représentation de Philadelphie a été enregistrée et est prête à être publiée, mais nous n’avons pas encore trouvé le moyen de la diffuser. Si vous êtes intéressés, n’hésitez pas à me le faire savoir ! J’espère que cela se fera bientôt. Il y a là une force, une profondeur et un amour que vous pouvez facilement entendre et ressentir en parcourant le répertoire qui a façonné chacun d’entre nous de différentes manières.

Mon intérêt pour le cinéma et les arts visuels a fait partie intégrante de mon processus créatif

- Depuis de nombreuses années, nous avons l’habitude de vous entendre dans des projets qui ne se limitent pas à la batterie, mais incluent des images ou des voix. Est-ce un besoin d’aller chercher l’inspiration ailleurs ou une approche globale ?

En fin de compte, je suis un polymathe, mon intérêt pour le cinéma et les arts visuels a fait partie intégrante de mon processus créatif. L’utilisation de la voix dans le cadre de mon concept instrumental remonte très loin. Aujourd’hui, il existe de nombreux enregistrements où ma voix occupe une place prépondérante. La création, la production et le chant de chansons est une autre affaire. D’une certaine manière, ce travail est distinct de mon travail d’improvisateur et d’instrumentiste, mais il a toujours fait partie de mon identité et de mes origines. J’ai réalisé un enregistrement de chansons en 2002, publié sur Between the Lines, avec la chanteuse Lisa Sokolov.

En 2018, j’ai décidé de revenir aux chansons par amour du chant et par l’interprétation de chansons que j’admirais et auxquelles je me sentais lié, écrites par des auteurs tels que Lou Reed, Geeshie Wiley, Paul Simon, Robert Johnson, Bob Dylan… C’est à partir de là que j’ai établi ma relation vocale avec ma façon de chanter les paroles. La production d’ Afterlife est pour moi l’une des déclarations les plus personnelles et les plus significatives que j’ai faites en tant qu’artiste.

Naturellement, certains fans de longue date ont mis du temps à se faire à l’idée que je suis un auteur-compositeur-interprète d’indie-pop. Il n’est pas facile de franchir des barrières dans l’industrie de la musique.

- Le travail écrit plus contemporain, à la fois personnel et collectif (Chamber Works il y a 25 ans, ou Reality Axis avec Sarah Weaver, voire Composition O avec Vincent Glanzmann plus récemment) est-il à mettre sur le même plan ?

Je fais ce qui m’intéresse et je cherche à me remettre en question en tant qu’artiste. Mon travail dans le domaine de la musique contemporaine comprend les projets que vous mentionnez, mais j’ai également écrit un concerto pour orchestre (Terrains for percussionist & Orchestra). La composition est un autre moyen de m’exprimer à travers la musique. Bien sûr, on peut faire des choses dans la composition qui ne sont pas possibles dans l’improvisation. Mais il y a aussi ce trio avec Georg Graewe et Ernst Reijseger, largement documenté, qui prouve que l’improvisation peut atteindre des caractéristiques formelles similaires à celles de la composition en temps réel [3].

Gerry Hemingway

Mon quintet, qui a commencé en 1985 et s’est terminé en 2013, était en quelque sorte un groupe de musique de chambre dans la mesure où la musique était façonnée comme celle d’un quatuor à cordes. Les enregistrements du quintet avec Michael Moore, Wolter Wierbos, Ernst Reijseger et Mark Dresser dans les années 1990 montrent l’imbrication parfaite de l’invention individuelle et collective en temps réel, coexistant avec une écriture et une structure formelle souvent très complexes.
Et dans ma musique solo dont la première occurrence date de 1980 (Solo Works), vous trouverez également une organisation formelle, parfois notée, parfois mémorisée ou intériorisée à travers un processus d’expérimentation qui révèle un flou naturel des méthodologies musicales.

L’esthétique et les pratiques de la Creative Music ne s’arrêtent pas aux frontières.

- Ces derniers mois, nous vous avons entendu dans le quartet de Rodrigo Amado, aux côtés de Håker Flaten et von Schlippenbach. Quel est le secret de cette alchimie ?

Rodrigo Amado était persuadé ce serait une bonne alchimie. Je n’étais pas sûr au début, mais j’en suis désormais convaincu au fur et à mesure des concerts. Les prochaines sorties démontreront cette évolution. Elles sont en cours de production et seront publiées. Nous avons par exemple réalisé un bel enregistrement studio à Lisbonne, récemment.

- Vous avez publié avec Music For Chamber Trio de Terrence McManus avec Ellery Eskelin, pouvez-vous nous parler de ce projet ?

Cet enregistrement a eu lieu il y a plusieurs années et a été précédé de quelques représentations des compositions de Terrence McManus à New York. Il vient juste d’être publié après des années d’inactivité. Terry et moi avons également beaucoup travaillé en duo. Je pense que Terrence est un guitariste exceptionnel qui n’a malheureusement pas atteint le niveau de visibilité qu’il mérite. Notons qu’Ellery Eskelin s’est également tourné vers la musique de chambre au cours des dernières années. Il préfère désormais se produire en acoustique et trouve que le monde de la musique de chambre correspond mieux à ses intérêts en matière d’interprétation.

- Sur ce disque, nous nous sommes rapidement rendu compte que le Gerry Hemingway qui jouait avait tout d’un musicien européen… Vous vivez à Lucerne depuis de très nombreuses années. Cela a-t-il changé quelque chose à votre approche musicale ?

Je ne suis pas d’accord avec cette catégorie réductrice de « musicien européen ». Je fais partie de la communauté européenne des improvisateurs, mais je reste impliqué dans divers projets basés aux États-Unis. L’esthétique et les pratiques de la Creative Music ne s’arrêtent pas aux frontières. Il y a des racines et des traditions. Je suis profondément attaché au blues, par exemple, qui apparaît comme un élément déterminant de mon identité. Il faut avoir une vision plus nuancée de la manière dont les artistes lient leur identité à une localité. Le lieu n’est qu’une de nos nombreuses influences.

Vivre à Lucerne n’a rien changé à mon approche musicale, mais cela m’a permis de nouer des relations. L’exemple le plus frappant est sans doute le trio WHO qui existe depuis longtemps avec Michel Wintsch et Bänz Oester. MingBauSet, basé à Lucerne, est un autre groupe dont la réputation internationale ne cesse de croître. Les deux autres membres de ce trio ont été mes étudiants à la Hochschule Luzern où j’ai enseigné entre 2009 et 2022.

Gerry Hemingway

- Plus récemment, vous avez travaillé avec Christoph Erb et Magda Mayas dans un trio fascinant. Pouvez-vous nous en dire plus à ce sujet ?

Christoph Erb habite à Lucerne. Magda Mayas vit à Berlin, mais elle se rend souvent à Lucerne comme professeure à la Hochschule Luzern. J’ai participé à la production de tous les enregistrements réalisés jusqu’à présent (il y en a trois : Dinner Music, Bathing Music et Hour Music). Nous avons un programme de concerts très chargé cet automne, y compris une visite à Paris le 4 novembre 2024 (Carreau du Temple - Radio France). Il semble que nous ayons un don pour créer et habiter un lieu imaginaire.

- Quels sont vos projets à venir ?

Le point central en ce moment est mon duo avec la pianiste Izumi Kimura. Nous ferons une tournée au Royaume-Uni en octobre et nous avons de nombreux projets, notamment un deuxième enregistrement après Kaïros. Nous poursuivons également notre trio avec le bassiste Barry Guy et nous nous produirons cet automne au Jazzherbst à Konstanz. Ce trio a récemment publié Six Hands Open as One, qui contient de nouvelles compositions de chacun d’entre nous.

J’ai prévu un certain nombre de concerts en solo et j’y mêlerai des chansons.

MingBauSet sera également actif dans toute l’Europe. J’essaie aussi de tenir mon site web à jour - c’est presque un travail à plein temps en soi, mais cela en vaut la peine !